新国学网:不同时期“新海派”如何延续创新？_水墨-新海派--海派-水墨-创作

　　编者按：问起“新海派”，大部分人记不起具体什么时候开始出现在上海艺术圈，

　　编者按：问起“新海派”，大部分人记不起具体什么时候开始出现在上海艺术圈，但可以知道“新海派”热从2010年开始慢慢显现。这批经历过改革开放、“85”思潮，以新思维探索传统海派绘画的艺术家们，从最开始呼吁“重估新海派艺术家价值”到察觉“新海派艺术家后继乏力”，再到提出“新海派-新生代”的学术概念。如果说每个流派都会以时代特点，分际出承前启后的艺术家，那这些艺术家又是如何在各自创作中延续创新，形成了自己作品风格?

　　【新海派和“新生代”的区别】

吴昌硕

　　程十发被认为是海派绘画结束的分界点，此后上海的美术界被形容为一个没有英雄的时代。但也是一个更好的时代，因为人人都可以成为英雄。

　　经济的发展滋养了海上画坛因商而兴，但每一代艺术家对于生存问题均不相同。海上画坛时期，当时主要生活于上海的艺术家以豫园、城隍庙为中心卖画求生存。新中国成立之后，陆俨少、程十发、唐云等第三代海派艺术家被纳入体制内，艺术家的工资在当时来说已算是高薪职业，因此他们并没有市场问题问扰。

韩硕（右）、张培成（左）、施大畏三人在合作创作时留影（摄于上世纪90年代）

　　承前启后中的“新海派”艺术家，由于一定历史时期，虽然接触市场但所创作的题材有特定的谋生渠道。这批艺术家既身处开放性时代，又承接传统文脉。但因所处的特殊时代，部分艺术家除了中国画，也会进行连环画、版画等符合当时审美需求特点的艺术创作，而这些经历也影响了其后来的艺术创作。今年7月在上海中国画院美术馆呈现的“书的记忆——韩硕、张培成、施大畏连环画插图作品展”，便向观众回溯了那段历史。张培成也坦言，自己创作中的许多手法，都是当年连环画技巧的延伸。

乐震文 秋 2015 年 纸本设色 68.3×137.2cm

　　“新生代”艺术家获取艺术信息的渠道，并不像过去仅依赖于个人。而是通过吸收与国际接轨的最新艺术信息，以全球化的开阔视野自觉梳理与传统的关系，因此艺术创作也呈现出多元化的态势。 乐震文曾1995年教学于上海美术学院，他形容当时每一届的学生都有新的看法，毕业创作风格也是“五年一变”，后来甚至是“两三年一变”。

　　以水墨来说，与传统中国画的楼台亭榭、小桥流水不同，现今的时代已经是水泥钢筋的高楼大厦。许多艺术家开始将当代“都市”纳入创作题材中，以自己的方式寄托情感。

　　而因为没有直接接触传统文脉，现代年轻艺术家所继承的传统已经很少，萧海春认为，“现在的年轻人是有自己的选择，仅以几笔字来讲解文化传承是不行的，他们对传统是空白，还需要系统地告诉他传统中国画的发展脉络和魅力，他就知道要下功夫了。

　　而对于这代青年艺术家的生存环境，杨维民认为，“学术加市场是这一代人的压力，也是这群艺术家的特质”。

　　【“85”前后，艺术家在做什么?】

　　改革开放成长起来的“新海派”，在国门打开后，当时国内大部分人开始不满足仅依照西方美术印刷品来学习，期望能去国外看看博物馆里的原作。上海作为一个早已与国际接轨的都市，出国留学现象更普遍。到了1985年后，这批“刚好有这个机会”的留学生中，王劼音便是其中“好奇者”之一。

王劼音

　　王劼音的身份并不能完全说是一位“新海派”艺术家，他的作品即可以说是抽象、也是当代。

　　版画出身的王劼音1986年在奥地利维也纳造型艺术学院高级版画班、国立维也纳应用艺术大学哈特教授工作室先后进修。刚去国外时“很自由也很惶恐”，国外的学习系统与国内完全不一样。王劼音回想起来那段时间，最大的改变是艺术观念上，“国内画画要想老师怎么讲，旁边人怎么评价，考虑因素比较多。而当时在国外跟随自主意识想怎么就怎么弄。”国外的这段时间，王劼音反而对中国民族的东西有兴趣，觉得回国后要开始研究中国民族的传统。

王劼音 伊甸003 1994年

　　而这些艺术观念也一直伴随其后来不断突破尝试不同媒介的创作，从版画到油画，从山水到花鸟再到喷漆，无论是形态还是题材，都能成为他艺术创作的母题。问起原因，王劼音表示：“多种类的艺术形式，只是其个人习惯，每个人要根据自己的情况来发展。”

　　回国后，王劼音并未直接接触水墨，而是开始转向创作油画，但“接触油画和留学没有关系，各种机会慢慢就钻到油画里了。”1989年，美国亚太博物馆馆长到王劼音家里挑选版画，最后反而挑选了一张很小的油画拿去参展，也许是受到鼓舞，王劼音觉得可以突破观念向油画转变。

王劼音 古典花卉 2012年作布面油画

　　虽说回国后没有直接创作水墨作品，但中国民族民间艺术传统，如青铜、陶瓷、蓝印花布、木版年画等元素受到王劼音关注，而他的油画里也有许多中国文化和江南文化的影子。

　　王劼音认为美术作品，“首先具有教育性，让人向往真善美;另外能提升审美;最后要启发民族的一种创造欲望。”因此他的作品也一直强调对自然的描绘。

王劼音  作品1号 2009纸本水墨 680x685mm

　　王劼音画画从来没有计划，进入水墨世界其实是偶然又是必然。必然的是他一直对传统文化的兴趣，而偶然的是因为退休与朋友相聚，突然造访“新海派”代表艺术家张培楚的工作室，而开始尝试水墨。“我并不想在水墨里弄点什么成就，只是觉得蛮好玩就去弄弄。”他并没有按照传统的样式绘画，而是在水墨中加入创新，又保留山水画的余味。

　　水墨对他而言是一种生活状态，安静、超然、淡薄。2007年，他以“古典山水系列”为水墨创作开始，画面中保留传统底色，以现代语境和当代视觉经验进行书写呈现，形成以线条、墨点和色块组成的个性化图式。但随后， 王劼音在画面中再次摒弃线条，只用浓淡各异的水墨圆点铺陈画面。

　　近几年王劼音也陆续举办个展，但对最有突破和挑战的，应该是其2016年龙美术馆举办的“云间风度”个展。当时75岁的王劼音挑战从来没接触的现场即兴涂鸦，并将其90年代的花卉、人物作品与林风眠《松涛》、关良《石门》以及丘堤《平湖秋月》并置。而当我们2017年再次走进王劼音老师工作室时，他已经开始尝试喷绘。

　　王劫音不认为画油画就必定要采取西方哲学思想，中国画就要有固定模式，而是要解放天性。艺术家就是要找到一个出口，把内心的东西放出来。他笑道：“我倒是很欣赏动漫cosplay的这些人。”

萧海春

　　这一时期，还也有一部分人在国内“中国画前途末路”的声音中寻求传统水墨的创新。其中艺术家萧海春的变化算是最大的。萧海春从上海工艺美术学校毕业后并没有完成当画家的梦想，而是分配至上海玉石雕刻厂专攻玉雕。当时国内正值传统工艺外汇出口交往频繁，各玉石雕刻厂都拥有一套成熟的运作模式，也培养了一批玉雕界的中流砥柱，萧海春便是其中之一，而且于1988年评选为当时最年轻的“中国工艺美术大师”。

　　萧海春自小喜爱画画，擅长人物，在完成玉石雕刻工作之余，也进行绘画创作。而后经过深思熟虑，舍弃已功成名就的玉雕重新以绘画作为自己终身职业时，他并没有选择擅长的人物，而是山水画。另外，作为生于长于上海的人，萧海春却因西北风山水画赢得赞誉。在与萧老师聊到对自身进行归纳时，这样一位不断突破自己的艺术家却觉得，“这一辈子，画家不画家无所谓，就想当一位老师。”

80年代中期-西部印象-7

　　从玉器雕刻转向中国画，萧海春当时并没有随大流选择出国向现代西方美术学习，“我画中国画，去国外没有学习对象”。他反而在思考传统的根到底在哪?因为工作关系，萧海春曾去黄土高原多次，他对那里地貌的奇特多变和浑然朴厚特别感兴趣。而西北黄土高原也是中华民族文明的摇篮，所以萧海春以西北山水作为传统文化寻根的开始。

　　受黄土地苍凉雄浑的风情所感染，他在画面中采用大片的黑。萧海春表示，当时不是有意识这样创作，而是表现出了自己的感受。他认为，当代水墨并不只是观念的变化，前提还是要以中国画以笔墨为中心，因此先后创作出了《西北印象》组画和《黄土系列》。具有当代性的作品，让萧海春有缘参加1986年当时第一个前卫艺术展览“凹凸展”，当时参展的还有李山、余友涵等16人也参加了，但最后萧海春认为并不适合自己，便退出了。

　　粗犷遒劲的线形，苍茫疏阔的笔触，浓重朴茂的色彩， “黑土地”赢得美术界认可后，萧海春并没有照此继续下去。他认为，生活在江南的人，对西北的憧憬，并不是一辈子所要追求的东西。所以他开始转为“设计描述”胸中的丘壑，作品画境不再荒凉，有时出现树木和飞鸟，想像的意味更浓，泼墨、勾点、装饰化、符号化种种画法交替出现。这在郎绍君看来，与他借鉴龚贤、黄宾虹和李可染的积墨画法有一定关系。

江南山 366cm×146cm  2004年

　　萧海春突然从当代水墨转向传统，是因为一个展览。1992年“四王绘画”国际学术研讨会暨“四王”绘画展在朵云轩举办，“实际上当时也是对文化的反思才举办了这次展览”。在学习时期萧海春便喜欢传统，当真正近距离看“四王”真迹时，笔笔有致、墨气淡静，才真切体会到“古人的笔墨太迷人了”，猛然发现中国传统艺术的辉煌。

　　此后，萧海春上起唐宋，下至近现代，遍临董巨、元四家、董其昌、石涛、八大、王原祁、黄宾虹等作品，他几乎把全部精力用于读画、读画论，临摹与综合，渐渐淡出了艺术中心地带。在他的工作室，眼所及之处满是书籍。与其他人觉得老套的仿古，萧海春却认为中国有一套很严格的体系，如果不知晓古代的基本笔法、墨法、图式、表现样式、技法的内涵，“所有东西就站不起来”。这一阶段被萧海春形容为“是后来山水画经典系统解读的前奏”。

《锦绣石壁》

　　2000年之后，萧海春开始对传统艺术进行“系统的经典解读”。他的所谓经典解读，主要通过“手谈”的方式，以手代谈，即绘画方式的“交谈”，将临摹与转化创造合而为一，并“整合”转变成自己的语言和风格，作品多以大尺幅作品居多，气势恢弘，如长达20米的山水画巨作《锦绣石壁》。

　　就在2017年，萧海春突然开始涉足扇面的创作形式，在他看来，尺寸样式的绘画并没有什么区别，但如果一直创作大画，除了展出，欣赏的人有限。但作品始终强调中国画的笔墨基本语言，“扇面就是中国山水画画在扇面上而已，但是样式要求和材料都不一样。扇面以自然、清新，持扇之人才会雅致，凉风习习。”

　　萧海春也直言，“中国画的花鸟和山水被社会需要，是需要社会对传统文化的接受、理解、需要。”并不是所有人来学习中国画，中国画就受到了重视。

　　【新海派二代艺术家怎么在探索?】

　　在以市场为发端，“新海派”中有学院艺术背景的70、80后青年水墨艺术家被划分为新一代，他们以自身生活或者时尚感为创作方向。虽然被称为新一代，但他们作品的创新性、成熟度和社会均受到了认可。

艺术家毛冬华

　　11月初，毛冬华将在中国美术馆举办个展。我们约采毛冬华时，她已经为了此忙了大半年。唯一能透露的是，本次为展览创作的“望京”系列十分值得期待。

　　毛冬华出生丹青世家，毕业于上海大学美术学院国画系，是上海“青年文艺家培养计划”2位入围者之一，也是2017第六届九城联展中首次划分的“新海派-新生代”中的代表艺术家之一。

　　虽然说是“新生代”，毛冬华的“城市水墨”艺术风格早已受到美术界关注。从外白渡桥到外滩系列、老物件再到最新创作的“望京”系列，毛冬华认为中国画是“用我的理解把这个时代的审美呈现出来。艺术不是为新而新，而是关注社会后，真诚地表述自己对这个时代的感受，表达生活中的酸甜苦辣。”

　　毛冬华的城市题材是以纯水墨表现当代建筑结构，她的帘幕楼影被评论为是“纳历史于当代，画实景为幻境的全国范围独创。”这种以纯水墨语言描绘外滩万国博览会的方式极为少见。

多云转晴 2009年作 200*195cm

　　“城市题材”作品的开端，起源于2008年创作的金茂大厦、徐家汇和洋山岛3张小幅插画。虽然是只有40余厘米的小幅作品，金茂大厦层数，每层之间的递增递减比例，毛冬华都经过数据统计。而真正让毛冬华这类城市题材作品受美术界关注，是在2009年以一张2米大尺幅的《多云转晴》入围11届全国美展提名。当时尚辉问毛冬华，你的没骨画跟古人和现代人有什么不同?毛冬华并没有细想的问题，反倒被尚辉的自问自答给点醒：“你在传承中有创新”。

　　当时作品虽是提名，但却作为第十一届全国美展中国画展区的创新案例刊登《美术》杂志封面，入选理由是突破了中国画转型发展所面临的两大学术难题：如何用传统中国画独有的表现方法来呈现当代城市生活，如何在新题材下进行中国画的笔墨意蕴和艺术语言的当代转换。她认为，“我们与前辈的成长经历不一样，需要以我们的角度视觉让大家接受。证明这个时代我来过、我记录过。”

第一代外白渡桥

　　作为喜欢挑战又执行力强的B型血艺术家，毛冬华乐于挑战具有时代性的主题创作，一个个攻克难题，“就觉得特别的好玩”。

　　毛冬华的“外白渡桥”系列和“老物件”系列几乎与城市题材系列同时进行。外白渡桥横跨苏州河和黄埔江，见证了上海百年的发展。而过了外白渡桥就是毛冬华外婆的家，因为上海话的外白渡桥与外婆桥的读音相似，所以很长一段时间，毛冬华以为这就是外婆桥。外婆病重的那天晚上，毛冬华正在创作金茂大厦题材的作品至凌晨三点，而第二天早上却被母亲告知，外婆已去世。

时空1 58×45 纸本水墨2012

　　相较于家人以泪洗面的悲痛，毛冬华选择用展览的方式来纪念外婆。在记忆中，外婆家有一台三五牌钟，每晚凌晨的12下钟响总会惊醒毛冬华，“当时很讨厌夜里嘀嗒嘀嗒的声响”。因此看到三五牌钟，毛冬华就会想起外婆。2012年，纪念外婆的展览《外白渡桥的时空》在上海外滩创作中心举办，进门最显眼处便是其创作的一台代表传统文化的南京钟、一台代表外来文化的德国瓷壳钟和一台代表本地文化的三五牌台钟，象征着整个百年时空。

黄包车

　　而在筹备展览的2年多时间里，毛冬华以外白渡桥及其附近的5、6座桥为蓝本，创作了不同时期的桥，有黄包车时代、卡车时代也有轨电车时代…这批作品得到了艺术家、学者们的认可，认为可以延伸下去。在此之后，毛冬华开始画遍苏州河上的桥，边走边画，后来转了个弯就到了外滩，又开启了其“外滩”系列。

　　如尚辉所说，用中国传统笔墨画欧洲建筑，是中国画里的一个死穴。因此外滩虽已在那里百年，但用绘画形式表现出来的方式多为版画、油画。以中国画来展现的主要是作为背景，而毛冬华偏偏耗时1年“啃”下了这个难题。

《南京路上的四大公司》   220m×500m   2014

　　早期，毛冬华以没骨法加勾线的方式来表现外滩花岗岩建筑，突出作品为《重塑》和被中华艺术宫收藏的上海历史文脉创作《南京路上的四大公司》。时毛冬华以这系列作品在徐汇艺术馆举办个展“海上星象-水墨倾城”。当时尚辉建议，毛冬华能继续完成外滩历史老建筑，来探索中国笔墨可以发挥到到的最大程度。

《外滩心影——毛冬华水墨作品展》现场

　　3年之后，毛冬华在刘海粟美术馆交上了一份“答卷”，完整呈现了外滩从1号到33号共22幢历史老建筑。当时尚辉表示，毛冬华是真正用笔墨画出这种欧式建筑最成功的画家。　

　　本次将呈现的“望京”系列，毛冬华塑造天坛、故宫、中国美术馆等。而在此前，毛冬华之前并没有接触的老北京建筑中的亭台楼阁，并在画面中尝试以水墨形式表现春、夏、秋、冬、雪、雨等情景。因此除了以山水画的积墨和花鸟画的没骨法的结合，作品技法和内容也更丰富。她解释：“这次将在北京举办的‘望京’系列是回望传统、尊重传统，与‘外滩’系列的立足现代、展望未来形成反差。”

毛冬华作品在《上海奥德赛•外滩故事》民族音乐会上

　　一个好作品能够引起大家的共鸣，就如同德国著名作曲家克里斯蒂安·佑斯特(Christian Jost)全新创作的民族音乐会《上海奥德赛·外滩故事》上，不选择航拍、也不要摄影作品，而是挑选了毛冬华的黑白“外滩”系列进行动画再创作。对此，毛冬华也乐于其成，“希望中国画能够被全世界所理解，把它作为一个中国文化的一张名片好好打好，就有意思了。”

　　“新海派”的价值从被忽视到重新发现，艺术家根据时代特点也逐渐被细分。从路画廊总经理路亮看来，“新海派”是一个不断成长和改变的概念，观众和买家也会在艺术市场上与不同年代的艺术家一起成长。

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