宗教门户网:旋转跳跃不停歇的动态雕塑，考尔德之外的七种可能_斯坦-雕塑-艺术家-尔德-动态-停歇-物件

动态雕塑通过自身的结构达到平衡。亚历山大·考尔德(AlexanderCalder)的名字如今已经成为动态雕塑的代名词。

动态雕塑通过自身的结构达到平衡。亚历山大·考尔德(Alexander Calder)的名字如今已经成为动态雕塑的代名词。

1930年，美国艺术家考尔德已经用金属线创造出了包括明星约瑟芬·贝克(Josephine Baker)、马、大象在内的一系列形象，结合了艺术家天马行空的想象和当下的流行元素，呈现出一派热闹的马戏团。当时，住在巴黎的考尔德造访了皮特·蒙德里安(Piet Mondrian)的工作室，他被工作室墙上光线掠过的鲜明色块所吸引，并开始想象这些色块在动态中的样子。

在1937年出版的《画家的物体》(The Painter’s Object)一书中，考尔德在一篇散文中这样描绘当时的工作室场景：“他(蒙德里安)的工作室太迷人了。墙上映射出交错的光影(工作室的两侧都有窗户)，当时我就想，如果它们能动起来该有多好。虽然蒙德里安对这个想法不以为然。”

当蒙德里安继续他的绘画创作时，考尔德开始尝试用金属零件组成色彩斑斓、摇摆不定的雕塑。起初，他用曲柄和马达让各部件动起来。后来，他摒弃了这些设备，开始借助更为自然的推动力：空气、光、湿度和触摸。在他的创作生涯中，他创造了数十件悬挂在天花板上的雕塑，还有那些在风中挥舞着“臂膀”的形体。

如今只要提及动态雕塑就会想到考尔德，然而，这位先锋派艺术家并非动态雕塑的发明者。在古代，就已经有人在他之前构想出动态雕塑的可能性。在东南亚地区，早就发现了来自公元前3000年的由骨头、木头、竹子和贝壳制成的风铃残骸。古人对这些铿锵作响的物件十分迷信，相信它们能驱赶魔鬼(中国人最早在公元前1100年就已经开始欣赏风铃带来的妙音与美感)。古罗马人也制作过类似风铃的物件，称为“Tintinnabula”。罗马人的风铃外形奇特，有些酷似生殖器，据说可以带来好运。斯堪的纳维亚传统的圣诞装饰物叫做“Himmeli”(几百年前就已经存在)，呈各式几何形状。最初的 Himmeli由细芦苇或稻草制成，在现代版本中常常用金属来替代。芬兰人将 Himmeli 挂在桌子上方，以求迎来丰收的季节。如今，生活在布鲁克林的千禧一代更愿意用 Himmeli来盛装他们的悬空绿植。

直到1931年，杜尚到访考尔德工作室时见到了这些新发明，“动态雕塑”(mobile)的名字才正式诞生。杜尚将法语中的“运动”和“原动力”结合，得到“动态雕塑”这一说法。在这里，我们将介绍7位艺术家的创意构思，他们拒绝一成不变，追求无休止的转动、变幻、上升、下降。换言之，他们在雕塑中追求无尽的变化。

从某种意义上说，杜尚的第一件现成品(用日常生活中的物件做成的装置)也可以看作是一件动态雕塑。1913年的《自行车轮》(Bicycle Wheel)，杜尚只是简单地将自行车轮子安装在凳子上。这件作品欢迎观众参与，只要轻轻动一下，它就会开始转动。但杜尚把它定义为艺术品，因而限制了观众与作品的互动，毕竟访客在美术馆里不能触碰作品。《自行车轮》或许被看作蓄势待发的动态雕塑更为准确，考虑到美术馆的规定，它将永远处于静止。

1920年，曼·雷将63个木制衣架组装成一个金字塔形的装置，用金属线把整件作品吊在天花板上。这件被他称为“障碍物”的作品中，每个元素都一层一层地成倍出现，就像一个立体的家谱树。作为超现实主义运动的一员，曼·雷对揭露日常生活中的荒诞感相当着迷。在这件作品中，他将普通的家用物品制成雕塑，将它们悬挂在天花板上，让这些日常物件看上去愈加陌生。观众站在作品投下的一大片黑影中间，不由得感到一丝恐怖，这为作品增添了几分黑色幽默感。

在贾科梅蒂的悬挂雕塑中，他将不同的物体挂在空心的铁架上。比如1949年创作的《长鼻》(The Nose [Le nez])中，贾科梅蒂雕刻了一个铜质塑像，塑像张着嘴巴，有一个像皮诺曹一般的又尖又长的鼻子。一条绳子拴着雕塑从铁笼顶部悬挂下来，让人想起套着枷锁的格子间，身处其中便无处可逃。而在1930-1931年创作的《悬挂的球体》(Boule suspendue [Suspended Ball])中，作品透露出强烈的超现实感与情欲，让人几乎忽视了它摇摇欲坠的紧迫。一个石膏做的球体悬挂在铁笼上，在香蕉型的石膏块上方晃动，却没有接触。在这个亲密的姿态下，雕塑的底座仿佛变成了一张大床。

根据贾科梅蒂基金会的介绍，这些动态雕塑是艺术家向“远古时期原始社会实用主义的祭祀物致敬”，比如利比亚和科特迪瓦的但支派族群制作的庆典汤匙，以及非洲面具。除此之外，贾科梅蒂还设计过灯具。值得一提的是，许多制作动态雕塑的艺术家都会涉猎功能性设计。

意大利艺术家布鲁诺·莫那瑞撰写了探究艺术与设计之关联的著作《作为艺术的设计》(Design as Art)。《作为艺术的设计》出版于1966年，试图提升各类设计品——包括灯具、路标、印刷品和广告等——的美学价值，改进对它们的美学认知。与此同时，莫那瑞同时又颂扬艺术的“无用”。在1930年代，他开始制作被他称为“无用的机器”系列，将彩色纸板、木材、金属线以及绳索组合起来，制作出精巧、天马行空的动态雕塑。用于连接各个部件的线通常十分细小，肉眼几乎看不见，如此一来，就产生了物件漂浮在空中的错觉。“无用的机器”并没有任何用处，艺术家邀请观众用眼睛观看。

利希滕斯坦把他经典的漫画风格绘画变成立体的三维雕塑。卡通造型的挂件由陶瓷和树脂制成，简洁的轮廓勾勒出树、太阳、云朵和天空。在一些雕塑中，利希滕斯坦还引入他标志性的大圆点(Ben-Day)。比起其他艺术家的动态雕塑，利希滕斯坦的作品没有那么灵活，往往更稳固。因此，艺术家把自己的作品称为“静态雕塑”。利希滕斯坦1990年创作的《活动风景(里蒙)》(Landscape Mobile [Limoges])同时也是一件具有功能性的设计物品，它篮子一样的底座可以盛装鲜花，用作一个别致的花盆。

尚·丁格利以制作形态滑稽而机械的动态雕塑著称。他的作品形似机械垃圾，他把金属轮子、管子、电线、铸铁、木材、发动机和后视镜等材料拼凑起来，将现代工业生活的碎片变为艺术。尽管丁格利的作品与达达主义密切相关，但从他的早期作品能清楚地看到考尔德的影响。比如他1954年的作品《无题》中，鲜艳的红和黄色的圆圈，再加上精致的金属臂膀，就像是考尔德那温柔的动态雕塑更为尖刻的后裔。

和考尔德一样，出生于阿根廷的艺术家朱里奥·勒·帕克也从蒙德里安的作品中获得启发。他起初创作抽象作品，从早期的作品《四个位置范围》(Gamme à quatre positions，1959)可以看出艺术家对视觉错觉的兴趣。他细致地排列黑色、白色和灰色的色块，让这些串联在一起的色块前后翻转。当他把创作的重心转向动态雕塑，勒·帕克保留了他绘画作品中的视觉张力，将几何色块以复杂的结构悬挂。他的三维雕塑在照片中看就像是他的几何绘画一般，比如1960年创作的《白色之上的蓝色动态雕塑》。而实物本身，则可以看到横竖排列的蓝木方块(丙烯上色)不断变化，反射着光线，从不同角度呈现出不同的形态。与前面几位艺术家一样，勒·帕克的作品启发观者思考视觉感知、光线以及审美经验的转瞬即逝。

 来源：Artsy

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