新国学网:唐聖予：七戶優“私语”下的幻真世界_唐聖予-隱丘畫廊-蜂巢当代艺术中心--画廊-艺术-市场

编辑：陈奕名来源：雅昌艺术网专稿

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　　从东京出发一路向西，多摩市圣迹樱丘附近一座不起眼的楼中，能找到七戶優略显狭小的工作室。地上铺着最新的绘画线描稿，周围的陈设瞬间让人进入到他绘画

　　从东京出发一路向西，多摩市圣迹樱丘附近一座不起眼的楼中，能找到七戶優略显狭小的工作室。地上铺着最新的绘画线描稿，周围的陈设瞬间让人进入到他绘画作品中的诡异世界：一个穿着女仆装的人偶坐在古旧的理发椅上，膝盖上放着一个人偶的头颅。旁边是一面镜子，一个人偶的身体仿佛扎进了镜面里的空间，只留下裙摆和双腿。地上散落着肢解的人偶。接待客人的沙发，时常出现在他的绘画作品中，沙发背后的柜子，摆放着各式各样奇怪的道具，老式电话、古董天文仪、大大小小的狗、抱着琴的骷髅、真空铃……　　

七戶優在工作室里，前方为真空铃

七戶優工作室里的道具

　　在他从事艺术创作初期，当时盛行所谓“超扁平”及日本动漫风格，但七戶優集中钻研现实主义画风，在西方古典绘画的基础上，加入达达主义荒谬性质的幽默感，结果而言表现是超现实主义的。他的绘画作品将历史及科学元素融合一体—他对宇宙学、物理等科学发展以及炼金术、占星术等神秘主义有着无比热忱，同时热衷于古典油画及小说对视觉元素的仔细描绘。七戶優的作品有如一个容纳万物的展览橱窗，又好似一场剧中剧的舞台，其作品多强调空间的运用，于超现实主义和文学叙述之间穿梭游走，通过特定元素，为原本克制的画面增添一丝诡谲的魔幻气息，指领观者进入有关时间、物理或宇宙论的观想世界。

七戶優工作室里的球形关节人偶和各种道具

　　沉寂多年后，七戶優再次出现在人们面前，是2017年隱丘畫廊的个展“幻真”。在八王子市的山丘中，就能找到这家由华人藏家经营的“隱丘畫廊”，名称来自著名音乐人李宗盛。负责人唐聖予谈到，在地理位置方面，远离东京市中心的山丘上，符合“隐”的特点，同时与不张扬的画廊性格有深层的内在联系，于是采用了这个名字。业内很少有人能想到，在艺术市场的调整期，唐聖予会选择实体画廊，并且转向日本本土那些容易被亚太市场忽略的当代艺术家。在他看来，日本当代艺术市场一度走向封闭，由华人藏家的画廊借助亚太市场的力量开发本土艺术资源，正是拓展日本当代艺术市场格局、发现价值低点的最佳时机。

隱丘畫廊负责人唐聖予

　　隱丘畫廊的首展选择了日本艺术家七戶優，在中国内地很少为人所知。这位综合了早期文艺复兴绘画以及维也纳幻想现实主义的日本艺术家作品，画面中却有着丰富的隐喻和文学性。

　　到2018年6月10日，七戶優个展“东京私语：七戶優”首次亮相北京蜂巢当代艺术中心，由蜂巢当代艺术中心和隱丘畫廊联合主办，正如对七戶優的评论所说：可以说，“私语”是为人偶注入情感和生命，同时唤醒艺术家自我的过程，“私语”是一根朝向生命存在之谜的天线，敏感于接收时间、死亡、伤痛、记忆和情感的信息，同时，拒绝将它已经组合成的谜面再译成谜底，或许并没有谜底，有的只是一次次的聚合：形象、氛围、结构、色彩拥有了瞬间的确定感。七戶優的绘画给出了一种拘谨而神秘的混合感，时空动人地静滞，如同帕诺夫斯基所言：人物和动作已经“升华为纯粹的存在”。

　　艺术网：七戶優的作品中有哪些独特性打动你，以他的个展为隱丘畫廊的首展，并联合蜂巢当代艺术中心做了他在北京的首次个展?

　　唐聖予：他20多岁辞去建筑师的工作，认为人生唯一可以倾注热情的就是绘画。在绘画风格上，七戶優更偏爱古典的风格，诸如宗教画和文艺复兴时期的作品。而在精神层面，他受到音乐和超现实文学的影响。七戶優自己就是贝斯手，他十分欣赏日本作家稻垣足穗的作品，作家以大正时代为背景进行大量超现实意象的创作，这个时期正是西方文化大量流入，与日本本土文化发生冲突和融合，这些文学作品会有很多关于“物”的思考，他把物与人并置，甚至认为模仿高于真实，在这个层面上，玻璃和黄铜比钻石和黄金更有意义。这样一种特别的想法启发了七戶優，“宇宙的乡愁”这个概念就来自于文学作品，这几条线索让他慢慢找到了自己的方向，也让他的作品具备了独特的魅力。　　

　　七户優/ Masaru Shichinohe

　　宇宙的模型/ Model of the Universe

　　1997

　　木板丙烯/ Acrylic on board

　　162×68.5cm×2

　　七户優/ Masaru Shichinohe

　　星/ Star

　　2010

　　木板丙烯/ Acrylic on board

　　36.3×28cm

　　艺术网：隱丘畫廊是如何选择和发掘艺术家的，选择标准和推介方式有哪些特点?

　　唐聖予：以七戶優为例，他本来由青木画廊代理，这家画廊最初也是代理超现实风格的艺术家，但是到泡沫经济崩溃，加上第二代画廊主经营的问题，给艺术家的市场造成一些影响。同时，日本人在购买艺术品的观念上也发生了变化，更多选择去美术馆，而非直接购藏。在这样的背景下，我们选择代理七戶優，将他推广到更广阔的亚洲乃至全球市场。我父亲很早就买了很多七戶優的作品，也耐心等到青木画廊和七戶優的合约到期，约定的展览都做完，才开始与七戶優正式合作。2014年，我们把七戶優的作品送到香港佳士得，想用市场来检验一下，结果估价20万港币的作品最终以87万港币成交。这让我们坚定了信心，看到了日本本土当代艺术家在亚太市场的潜力。

　　从画廊定位来看，我们更倾向于在技术上达到超一流水准，有一定装饰性，并且有独特观念和意境的艺术家。目前签约合作的是三位日本艺术家，有两位主要作品是绘画，还有一位是由抽象风格的现代书法作品。

　　日本一直想“脱亚入欧”，因此想主导一套标准的建立，艺术也是如此。但因此逐渐走向封闭，草间弥生、奈良美智、村上隆这些往往在西方的评价体系中获得声望，才反馈到日本国内。泡沫经济之后，更加限制日本艺术市场的发展。我们相信艺术是没有国界的，十年前我父亲就坚信日韩和东南亚当代艺术会在亚洲市场有更好的表现，于是选择了熟悉的日本国内当代艺术入手，寻找被埋没的日本艺术家。日本很多本地画廊，往往希望艺术家去当大学教授，有一份工作之后不会为生计发愁，就可以让艺术家作品的价格保持在低位，让更多粉丝来买画。所以在日本的职业艺术家，往往没有能力拥有自己的工作室。我们希望让那些真正有实力的日本艺术家，融入整个亚太艺术市场中。

七戶優

　　艺术网：你提到七戶優的作品中有很多关于“物”与“人”的并置，我们如何从他的画面中找到解读的钥匙?

　　唐聖予：他说：“我一直在寻找。”一个幻想中的童年，怀着紧张和好奇，在钥匙孔中偷看幻想中的世界。因此他的作品更像是那个世界的标本。在呈现方式上反而没那么理性，比如有个偶然的机会，他看到一家医药公司的商标，商标里是个护士的形象，那家企业并没有成功，因而这个形象就具有了某种梦想破灭的意味。当然商标中的护士与他画面中的护士并不相似，但他想要通过自己的创造，来圆一个梦。画完这个小护士的形象之后，七戶優找到了寻找那个世界的灵感，于是开始了自己一系列关于女孩的创作。

　　七户優/ Masaru Shichinohe

　　守護天使/ Agatha

　　2018

　　木板油畫/ Oil on board

　　45.5×38cm

　　七户優/ Masaru Shichinohe

　　委拉斯圭兹之鸟/ Velazquez's Bird

　　2003

　　木板丙烯/ Acrylic on board

　　45.5×33.2cm

　　在日本的亚文化中，护士当然还包含着很多意涵，但七戶優的创作反而在亚文化流行之前，他甚至一度中断了用护士、女仆等形象来创作，有意与流行文化保持距离。蜂巢艺术中心的夏季风先生也表示，“虽然七戶優在主观上与流行文化保持距离，但他的人物形象也体现了日本的当代文化，这种文化属性恰恰让大众对于认知七戶優的作品也有了多重性。”

　　艺术网：在七戶優的工作室里，我看到很多人偶，并且直接用物建构了一个超现实的空间，再用画面来表现，你刚才也提到他作品中关于“物”的思考，那么他是如何处理人与物的关系呢?

　　唐聖予：他画的女孩子，都在两点之中摇摆游荡，一类更像是“物品”，就是用人偶来作为模特，另一类是真人模特，在这个真实的人又处于一个不切实际的幻想世界中。这让他在创作中表现得非常节制，在性与性别的主题上都采用隐喻的方式。

　　七戶優/ Masaru Shichinohe

　　自戀/ Self-conscious

　　2012

　　布面油畫/ Oil on canvas

　　91×91cm

　　七戶優的人偶并非日本二次元文化中那种“萌”，而是来源于超现实主义大师汉斯·贝尔默的球形关节人偶。在纳粹德国时代，提倡所谓健康人体，身体和精神都成为极权统治的工具，因此人偶就成了一种精神上的抵抗，机械、病态，容易被折断和摧残的形象，用扭曲的性隐喻表达了对纳粹的反抗。后来球形关节人偶传到日本，七戶優就处于这个谱系中。他的作品创作了一个独特的世界，可以产生各种联想。他的作品有有很多道具，诸如他画面中常常出现的兔子，在东西方不同的文化语境中，会有不同的意象，这些道具也许是解读七戶優作品的钥匙，可以从心理学、社会学意义去寻找。　　

七戶優/ Masaru Shichinohe

　　Silence Sphere

　　2017

　　布面油畫/ Oil on canvas

　　60.5×45.5cm

　　人在他的作品世界中并不是优先存在的，好像是作为一个道具为主题服务，这个主题却往往是“物”。比如这是一个“真空铃”的实验器具，用来实验真空中声音无法传播。而他把这件真空铃与人并置在画面中，形成一种等价关系，女孩手指放在嘴唇上，示意安静，与真空铃的寂静形成呼应。同时女孩悬浮在空中，与真空铃那种悬浮的意味也形成参照。他的想法常常出现于某一个物品，用人物来体现“物”的属性。物品是出发点，反过来说，“物”才成为作品的主人公，在完成之后，物与人实现了平等。　　

　　七户優/ Masaru Shichinohe

　　慎始/ Mindful Start

　　2015

　　布面油畫/ Oil on canvas

　　162×162cm

　　比如这张作品，一个女孩旁边是一把吉他，这把吉他是李宗盛做给青春期女孩的第一把琴，琴本身有血色，也具有了性成熟和自我寻找的隐喻，包括琴本身的轮廓线也具有了女性的意味。这个女孩也有青春期反抗的小眼神，一只脚没穿袜子，仿佛已经跨入了成熟的世界。女孩和琴就形成了对应关系，包括他作品中常常出现的容器，也容易产生关于身体的联想。

　　艺术网：诸如眼罩等道具暗喻着什么，通过“物”，艺术家表达着怎样的世界?

　　之所以加入眼罩，一开始是想给人物加上一种病弱的感觉，营造纤细脆弱的人物，跟日本的“物哀”美学元素有一定关联。包括白骨等元素，都激发七戶優关于“物”的想象，这幅关于骷髅的作品，正是日本大地震引发福岛核电泄露，当时官方消息诸多掩饰，导致国民的反感，这个女孩就带有直视现实、记录一切的意味。

　　物体是真实世界本来存在的，他去理解、想象、消化物体背后的意涵之后，开始围绕物体构建一个世界，人是通过物体的属性被构建出来，他要画到这个“人”和“物体”是一致的，这件作品才算完成了。

　　七户優/ Masaru Shichinohe

　　痙攣/ Spasm

　　2014

　　布面油畫/ Oil on canvas

　　130.2×97cm

　　艺术网：你为什么选择一家实体画廊?你学的是理工专业，当然受到家庭艺术氛围的影响，这些影响如何发生，你的专业背景又让你的经营理念有哪些特点?

　　唐聖予：互联网时代，实体似乎更难存在，但反而让实体空间有不可替代的价值。我父亲收藏很多善本书籍，触摸到这些，我们会感到世界越走向虚拟，现实也就越珍贵。或许，仅通过手机就购买艺术品的时代很快到来，但我们反而认为需要这样一个空间，为日本当地的艺术家有更多的展览机会，让藏家有机会看到原作。而且日本的艺术市场这几年也慢慢发生变化，越来越开放，比如收藏巴斯奎特的前泽友作，不仅斥巨资购买西方当代艺术，也做基金会扶持日本本土的年轻艺术家。新一代藏家的崛起，与服务老钱的传统日本画廊并不匹配，也需要更新的画廊经营理念，当然我们的首要任务还是寻找日本优秀的艺术家，介绍给亚洲藏家。

　　我的曾祖父是常熟当地比较有名的画家，我祖父的弟弟也有不少作品流传，祖父母是常熟画院的画家，当然他们的作品更偏工艺画。我父亲曾经在JVC做独立制片人，后来投身中国当代艺术市场，参与并见证了中国当代艺术市场的兴起，从小我家里就堆满了各种艺术品。

　　初中时，我来到日本，大学时在东京大学读计数工学科，学应用数学，后来去美国哥伦比亚大学读经济学，在美国的学习，课程比较有选择性，于是选择了很多艺术的课程。小时就就看到父亲拿进拿出很多画，家里都挂满了，有段时间书房都进不了人。我个人的喜好也受到一些影响，于是在学校里也选修一些艺术的课程，毕业之后就想从事艺术行业。我父亲一代人赶上中国当代艺术高速发展的阶段，如今时代已经变了，需要做一家实体画廊，让市场沉淀下来。回到日本后，父亲给我做了一个测试，让我在纽约的展览上选几件自己喜欢的作品，并且告诉他理由。我选了一个南美的画家，还选了索尔·勒维特(Sol LeWitt)的纸上作品，最初我看不懂索尔勒维特的极简作品，或许是因为理科思维，起初是从他的线条中找到一种坐标的感觉，渐渐喜欢上他的作品，成为一个契机，后来慢慢深入了解。

　　我关于画廊的艺术推广理念也有些理科思维，因为专业的缘故，我有很多做基础理论研究的同学，他们在争取预算的时候，要寻找基础理论的最佳阐述方式，把研究的意义和潜在价值讲给外行人。我常常想，这与艺术推广有类似的地方，如何通过充分的知识积累，让最前沿的基础研究获得了解和发展。因此，理科和文科的基础研究，在扩展人类认知边缘上有很多相似之处，这也影响了我推广艺术的方法论和出发点，希望能让艺术推广更加系统化。