新国学网:2018大同雕塑双年展：_中国雕塑的“不同”在哪里？_双年展-科技-大同-材料--具象-我觉得-作品

编辑：陈耀杰来源：雅昌网

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“在展览举办之前，我们召开了一个策划会议，主题是在会议中思想碰撞出来的，当不同这个主题提出来的时候，

“在展览举办之前，我们召开了一个策划会议，主题是在会议中思想碰撞出来的，当不同这个主题提出来的时候，有过犹豫，是不是会引起歧义，但最终还是选择它作为主题。因为现在雕塑的发展，最大的特点就是不同，如果是千城一面，都是一张面孔，那我们就失败了，恰恰是不同，才能体现出来我们的价值，尤其是中国雕塑要走向世界，就更应该凸显出我们的不同，只有凸显出了每个人的个性，每个人精神精神的不同，我们世界才是可爱的、生动的、丰富的，放在艺术上讲，强调的就是不同的个性。”孙振华讲到。

展览现场

2018年11月23日，“不同·2018中国大同雕塑双年展”在大同中国雕塑博物馆开幕，本届双年展主题为“不同”，由深圳雕塑院院长孙振华博士、中央美术学院雕塑系主任吕品昌担任总策展人，是继2011年的“开悟”，到2013年“延伸”，再到2015年的“新态”之后，对中国当代雕塑最新面貌和创作状态的细分和深究。

展览现场

展览分为“器物”、“具象”、“材料”、“户外”、“科技”5个板块，展出作品共250件，均为2015年以来的新作，展览邀请了5位分策展人：《中国雕塑》杂志执行主编唐尧(科技篇)，中国艺术研究院中国雕塑院副院长郅敏研究员(材料篇)，中央美术学院雕塑系副主任张伟教授(器物篇)，中央美术学院雕塑系公共艺术工作室主任胡泉纯教授(户外篇)，清华大学美术学院雕塑系教师马文甲博士(具象篇)。

总策展人之一吕品昌表示：“这个展览彰显了中华文化自信，此外，改革开放40年以来，尤其是近10年来中国雕塑发生了翻天覆地的变化，无论是在观念上和形式上的改变，都凸显了中国雕塑多元化的倾向。另外，这次展览还凸显了中国雕塑的前瞻性和探索性，艺术家们用一种‘不同’的世界观、方法论来呈现‘不同’的表现，凸显了对未来雕塑发展尤其是可能性的探索。”

器物篇：作为雕塑的“器物”是什么？

器物篇由策展人张伟策划，张伟表示，这个部分名为“器物篇”，总策展人寄予了很大的期望，也是许多人关注的新话题。因为它事关中国本土或曰传统艺术造型的当代转换，也关系到“雕塑”概念的拓展与雕塑体系的重新界定。这是近年来艺术教学和创作的热点，许多学者和艺术家都在思考和探索，确实到了学术界认真梳理并正式展示的时候了！

器物板块张伟《五供》传统彩塑 50×50×110cm五件红泥贴金彩绘 2018

十年前，中央美术学院雕塑系率先成立了第一个中国传统造型研究工作室。作为领衔教员，张伟负责搭建这个方向的教学体系，其中的核心课程就是《器物造型》。因而有幸被选为本篇章的策展人。对于非理论出身的他和这个新研究方向而言，这是一次难得的研讨和学习机会。

展览展示的40位艺术家的作品都是张伟经过反复纠结后精心挑选出来的，因为“器物”作为学术概念尚不明晰，这里的艺术家都不是以此为创作目的的，但它们呈现出我认为相近的气质与面貌。藉此，他想说明器物是什么、器物还可以是什么、作为雕塑的器物又会是什么。

器物板块周雷《物系列》60X40X40cm木雕2018

张伟： “器物篇”的特点还是挺明显的，它的意义在于我们的思维方式、观察方式的重塑，对于教学甚至是文史领域都非常重要，希望能够建构出中国自己的阅读雕塑、阅读传统的能力，我在策划的时候，一开始没有跳出雕塑语言的形式，后来就降低一点，

器物是一个老百姓都知道的词，雕塑反倒是近几年来才知道，既然他们知道，介绍作品的时候，就告诉他们，第一眼看到的是什么就是什么，第二眼看的时候，又不是了。器物涵盖的在雕塑涵盖之上，这个之上恰恰是与中国人传统思维吻合的，这里面有几个层次，老百姓可以看得懂，雕塑家也能看得懂。非常感谢总策展人的前瞻性，中央美术学院雕塑系六工作室今年刚好10年，我的主干课程就是“器物造型”，一直在尝试，这次策展工作，对我以后教学思路的触动也特别大，这是一个特别宽广、包容、前途无量的方向。

具象篇：叙事与温度，具象雕塑的新可能在哪里？

“当下研究具象雕塑首先所面临的环境已经是一个避讳谈及技术区隔的时代。如何去将一种传统的造型手段继续挖掘与重构新的叙事方式是本次大同雕塑双年展具象单元的策展初衷。”马文甲讲到。

他表示，本次展览单元参展的艺术家们，在自己的创作实践中，继续以塑造和形象叙事来呈现一种凝聚人文关怀与富于 “温度”的表达。这种历经痴沉使成极富形态触觉的表达语言和那些形像都提示了一种有关艺术与世界本真的追问。

具象板块《金风玉露》树脂着色 230x390x118cm 王瑞琳

马文甲：在策划“具象篇”的时候，对这个单元做了深刻的调查，具象雕塑承载着艺术所有印象的传统，从百年学院雕塑教学来说，具象还是一个经验所在，从社会传播来讲，具象是最直接进入社会传播和讲故事的艺术表现形式，所以具象问题是一个回避不开的问题。从当代艺术创作的角度来讲，具象并不是一个问题性的话题，对于它的探讨，更多的集中在教学层面。

具象板块《道》不锈钢 200x100x170cm 李象群

这是一个更契合雕塑本体的单元，呈现了传统雕塑表达方式在当下的新表现，在作品以及艺术家的选择上，我给自己定了一个基调，就是叙事与温度，叙事性是用形象塑造具象语言的基础，温度的表达与工艺和制作相关。工艺制作加上表现的特殊性，形成了具象雕塑在当代存在价值。艺术传播、解读以及美育功能，都是在叙事层面，形象层面上来实现，所以说具象是回避不了的问题。

在选择艺术家的时候，我关注了几个方面：首先是作品是否在国际上具有重大的影响力，比如像吴为山的作品《马克思》，在马克思的故乡产生了巨大的影响；其次是著名艺术家的当代艺术实践，比如李象群、蒋铁骊、杨剑平等艺术家，虽然他们用的是具象的手段，但在实践和探索上面走的是最前沿的；第三个方面是具象手段的多元性以及可能性，比如夏航、蔡磊等的作品，他们用新的语言来重组形象和叙事，到底是我们在用形象组织叙事，还是形象可以超越叙事，来传达更深的一个观念？

第四个方面是，作品是否提供了一种新时代的视觉品味，比如王瑞琳、李伟、李万秋的作品，在视觉语言的表现上和颜色、形块的利用上，呈现了当代年轻人的视觉品味和时代的格调。

最后我还关注学院新人，比如展招举、陈浩伟等，他们都刚从学院毕业，我们知道具象雕塑在当下的环境里面，弱化了很多，还有年轻人愿意坚守这种创作方式，应该给他们一个展示的机会，让大家看到更完整的生态。

可能在所有的观众看来，“具象篇”的作品是更接近于我们印象中的雕塑，所以作品要让观众们看来更有情、有故事，这是“具象篇”的特色，也是不同的所在。

孙振华：我觉得我们这一次我们五个版块里面为什么突然设了一个具象，其实我觉得有一种特别的意义，具象刚才文甲说的很好，我相信在艺术里面不可能消失的一个版块，可能为什么这次特别弄一个具象出来，也就是具象被冷落了一段时间，大家要承认，大家一度认为你做雕塑做具象的感觉很落伍，不够潮，所以大家觉得你做具象落后了，我们现在说具象这个落后不落后，我们拿一些具象作品来看，有没有可以拓展的潜力，其实是提出这个问题，具象的可能性，具象还有什么更多的在今天的文化背景还要散发一种新的生长力，新的潜质，这是我们这个展览“具象篇”要讨论的问题。

“技术是可能，艺术是选择，这就是我策划科技板块的理念。”策展人唐尧讲到。

在他看来，科技的力量正以不可抗拒的力量，冲击和颠覆着我们的生活，政治、经济、文化、艺术等等概莫能外，在这样的前提下，艺术定会或者必须对科技的浪潮作出回应。而这种回应会表现在两个方面：技术和价值观的表达。

也正是基于此，他希望这一板块呈现的不仅仅是技术，更有背后的思想性、精神性，以及未来的美学倾。

科技篇：公共艺术的创作要直面场所与问题

“技术是可能，艺术是选择，这就是我策划科技板块的理念。”策展人唐尧讲到。

也正是基于此，才有了文章开头的那句话：“技术是可能，艺术是选择”，他希望这一板块呈现的不仅仅是技术，更有背后的思想性、精神性，以及未来的美学倾。

唐尧：在我看来，科技的力量正以不可抗拒的力量，冲击和颠覆着我们的生活，政治、经济、文化、艺术等等概莫能外，在这样的前提下，艺术定会或者必须对科技的浪潮作出回应。科技板块共有40位左右的参展艺术家，可以说是目前中国雕塑领域在科技艺术这个方向上最精英的团队，根据作品可以分为四个部分：机械程控，让雕塑动起来，也可以叫动态雕塑；第二个部分是动态材料，或者叫新材料也可以，更多的是一种流动的，比如像液态材料；　比如寇树德的作品《沙境－筑逝》，在一个箱子里面注满水，然后在水里面打印一座塔，当水位下降之后，塔就会随之坍塌，与以往雕塑追求永恒形成了非常大的反差，我将这称为 “速流美学”，现在我们生活在一个快速流动的信息时代里，所以雕塑语言、材料必然会对此反映，除此之外，还有气态的作品，岳艳娜的作品《空》，隔段时间会飘出一个字，随着升空会慢慢消失，展览中还有以光为材料的作品，这些材料进入雕塑创作中，大大的扩展了雕塑的语言，另外一方面也推动了雕塑造型的新发展和可能。

科技板块汤杰中心说

第三部分是数字，数字艺术可以说是与雕塑联系最紧密的，比如通过数字来造型，设置新的材料，把声音转化成空间运动，转换成各种材料，未来的生活空间也有可能从实体的变成虚拟的信息空间，具体到展览里面，比如雕塑家展望的作品，就运用到的数字运算，此外还有两件交互作品，一件是VR，另外一件是雕塑家焦兴涛的作品《奇迹》，作品与脑电波有关。

我们还在实验将这些元素结合到一起创作作品，比如有做光艺术的，有做AI、智能机器人的，有做木雕的，还有跳现代舞的，把他们组合成一个团队就是sigma艺术组合，以一种弥漫的去中心化的方式形成一种综合的沉浸式的，又有文化深度和各种感官效应的实践。

科技板块 sigma 悬界

在我看来，科技艺术还非常年轻，甚至是年幼，但他是最未来的，发展的空间和潜力是无限的。因为艺术的发展，根本是人才，这代年轻的艺术家目前的教学机制还不能够跟上科技发展的速度，很多时候都是艺术家们自己在努力，学习编程、软件，所以说这条路对于艺术家们来说非常的难，但反过来看，大道窄门，最难走的那条路是最有可能的一条路，这些优秀的年轻人，我希望他们能够成为科技艺术领域的第一批拓荒者，我也希望全国美术院校特别是雕塑系能够尽快的建立起相关的课程、教学体系，配备相应的教师队伍，能够让同学们有更好的条件在这个方向上获得他们所需要的知识资源。

孙振华：我觉得进入21世纪以来，尤其是近10年科技的进步带给了我们艺术或者说雕塑面貌的改变，这里面有几个因素我觉得很重要。一是图像，二是媒介和科技的因素在里面起了很重要的作用，完全改变了我们当下对雕塑一个认知。这次唐尧策划的版块里面有四个科技因素在里面，什么互动、3D、动态等等，我觉得这些都是当下科技成就一种运用，最重要的是改变了我们对一个雕塑一个传统的认知，所以这一块是随着时代、社会的进步发展起来了，而且今后这一块会越来越迅猛，所以趋势是不可限量的，未来是不可限量的，所以，我们最近也在探讨如何在高等院校里面在科技这方面如何引入，能够在雕塑学科加强这一领域的学习。但是我有一个观点，我们不能够为技术而技术，技术是干什么作为雕塑来说，对于我们艺术家来说，技术永远是为艺术，为我们的思想服务的，我们不能仅仅是呈现一个技术的样式和一个高科技，如果是那样做的话，仅仅是技术的呈现不能够代表我们艺术家的身份的确立。所以我认为在一件好的科技作品，除了技术呈现以外，最前沿技术的呈现，同时是很智慧的把这种技术运用到一个艺术家的思想以及一种审美的呈现。

吕品昌：我觉得科技这个部分，我觉得目前在国内也有它的瓶颈，这个瓶颈就是，比如说你要动态雕塑，为什么要动，你让他动起来，其实可能对于我们有些搞雕塑的人，搞艺术的人觉得很困难，但是对于搞一个科学的人太容易了，让它动起来还不容易吗，各种动。其实技术上对他们来讲太容易了。其实我们很多雕塑界人士克服了一个技术问题，其实更多就是说怎么样把科技和人文，把这种没有温度冷冰冰的机器让它变成有温度，而且有现实感，有一种人文关怀，或者是表达自己深层的感受，这是很重要的。但是我就注意到，其实唐尧刚才已经说到了，这个平台讲其实审美是一种选择，其实最后你选什么技术太多了，你选择什么样的东西，我觉得我们希望这个展览最后能够慢慢开启一种风气，我们不再为了技术而技术，我们强调技术的温度，它的人文性，它跟我们社会跟我们每个人的关联，这个东西弄好我觉得可能也是我们这次双年展小小的突破。

唐尧：两位说的太好了，这些话都说到我心里去了。大家知道我是本来学理工出身的，我是学数学出身的。我这些年这种非常清醒的感受就是科技非常迅猛，这边是一大块，很大的体量，我们艺术这边的发展也是非常生机勃勃，我们这些年雕塑界的发展生机勃勃。这两块向中间走的时候衔接的部分，目前来说还是一个比较细的管道。其实心里还是挺焦虑的，我前几天在北京一个沙龙上我遇到一个从硅谷回来搞技术的，大谈技术的未来，人脑的记忆，人的意识都完全是可以用算法下载，然后人类进入后生命时代永生，克隆以后永生等等。然后我跟他对话的时候我问他，在你整个科技工作过程当中，你有没有艺术性的瞬间，你有没有产生过艺术性的灵感，他说唐老师你戳到了我的痛处上了，我这个人真的很无趣，除了写程序，我基本上对艺术没有感觉。这两块虽然发展的都很迅猛，但是他们的有利的结合现在还相当薄弱。而我认为我们雕塑家，刚才谈到了材料，某种以及上来讲，实际上信息这些东西都可以视为我们的材料，所以我真的非常希望我们能够建立一个更好的通道，能够让我们的新一代的艺术家和科技的前沿包括生物科技、生命科技能够建立一个更好的联络，让他们有一个更饱满的，刚才吕老师和孙老师都谈到的，就是不是为技术而技术，为技术而技术这个事儿现在已经受到了一些诟病，看起来很旋，但是内涵很苍白，看起来很前沿，但是没有什么艺术性，这我觉得真是我们面临的问题，也是我们未来要努力去克服和我们未来发展的方向。

材料篇：“物”的潜能就是人的潜能

“最新创造力的展现，是2018大同雕塑双年展的核心目标，也是我负责的‘材料篇’策展工作的核心命题。”郅敏讲到。

他表示，这一板块作品的遴选原则有两个：一是技术的难度，二是思想的深度。所有的努力奔向一个目标：挖掘自我潜能、树立人文精神。因此，本次展览不一定以完善、完美为标准，希望选择具有“自我潜能挑战”的作品；推出近期对“物的深层表达、物的新认知”方面具有探索精神的新作。

材料板块孙昀作品

而关于潜能，在郅敏看来就是“潜在的能力”：“尽管外在的生活似乎已经有很大发展，但人内在的绝大多数能力有可能仍在沉睡，如果不挖掘，这些能力也许在生命中会一直沉睡下去。物质的潜能同样如此。欣喜的是，本次展览在很多方面出现了新的创作迹象，值得我们来共同关注和研究。”

郅敏：我们的展览是一个交流的平台，作品也是这样，代表现阶段的最新研究成果，这个成果不一定成熟，是往未知的创造力的方向在前进，而不是经验的叠加，到目前为止，这些没有那么清晰，但我们仍然能够感觉出一些不同之处，比如说世界性的目光，十年前我曾写过杰夫昆斯的作品，他是一个美国艺术家，很多原理都用了中东的和东方的文化。十几年前中国艺术家还只是关注本土文化表达，现在已经有很多艺术家自觉进入对世界性问题的讨论中，比如耿雪，她将雕塑工具的声音同叙利亚战场的枪声联系起来，在声音与声音的撞击中，观者会想到世界上同一个时刻，两个不同的事件，如何可以会聚出相似的声音。再如史金淞的灰度研究，表现出全世界的城市与人的变迁与经历所呈现的一种色度，我认为这就是一种世界性的眼光。这种世界性眼光的作品在这一次材料板块非常明显，我认为，材料本体语言研究当然需要探索，但我不会选择为材料而材料，材料凝聚着当前的与历史的文化，有其隐含的文化观念。

耿雪童年是人生更美好的阶段木、影像尺寸可变 2018年

第二点是微小的日常，很多艺术家已经抛开宏大叙述，进入到一种非常微小的视角中。比如高蓉，用绣的手法表现沙发被水淹没之后的渍，近看非常微小、非常美，远看又仿佛是一个日常。真的是到处都是艺术，就看你有没有艺术的眼光和独特的表达。

第三个迹象就是材料语言的深度挖掘。比如说更年轻的王云鹏把类似建筑垃圾的东西抛到一定高度，竟然出现了一种中国文玩把件的质地与美感。欣喜之处在于，王云鹏探索出了如此普通的物质背后深层的内涵，拓宽了物质表达的维度。

第四点就是更年轻的艺术家的表达。他们的表达一向很成熟，这也是一个问题，这个成熟是怎么来的。他们有没有90、95后艺术家独特的艺术路径，我觉得这都是值得我们来探的。这个探讨实际上就是边讨论作品，边讨论艺术教育了。

还有最后一点就是对信息时代的物质表达。有几件作品是纯3D打印的作品，创作过程中完全是思想在指挥，但不管物质发展到什么程度，传统的材料也好、物质也好，当代涌现的新物质也好，最后还是要回到人的情感、人的精神中。我曾说围棋阿法狗战胜人，但围棋不会灭亡，甚至会更加发达。下棋仍然是对手之间心灵的博弈，这是科技不能替代的，科技还是我们延伸的手或者是延伸的思想，还是为了情感的表达与相遇。这些都是我想通过材料版块提出的话题。所以，最后我归结为物的潜能就是人的潜能。

郅敏：其实材料、形态、空间、观念这四件事没有一天分开过，我们可以着重一方面来谈，这就是材料版块的价值，这也是我选择的定位，一个是技术的难度，一个是文化的深度，技术要有难度，不花上一万个小时就出不来这个效果，我喜欢这样的东西。把自己融到作品中的作品。文化深度，要对文化有态度的，不是表面的东西。年轻人他们是非常关注当时代的变化，不能就材料而材料，材料深度介入最后还是要回到人情感的共鸣。

孙振华：我觉得材料放到中国，我们今天谈论材料有一种特别的意义，我觉得特别在中国，刚才唐尧说的一个说法，我觉得很有意思，我们再排一下我们五个版块的排序，真的跟年龄有关，器物年龄可能是最长的，可以说五千年吧。年轻第二大的就是具象，中国新的雕塑恰好跟中国传统不一样，中国新传统，就是从这种具象开始的。我们从引进来的具象造型开始的，恰好百八年传统吧，大概是这样的。再往下，我觉得就是材料了，材料当然源远流长，我们也可以说几千年，但是我意识到材料有这种，用材料的眼光来看问题，可能也是改革开放以后，我觉得应该是这样，改革开放其实中国的雕塑改革孙丽娟、教学改革是以材料开始的，我们中国原来材料不材料就是叫泥塑，这才是最正宗的，就是因为材料好像不起眼的一个说法，开始改变了中国整个雕塑教育的现状。所以我们说有了材料教学，材料教学是什么，意味着有了金属焊接，有了现成品，然后有了陶瓷，现在每个雕塑系陶瓷这种材料，包括现在还有更新的包括玻璃什么这种，开始近代雕塑现在很普遍了，看起来是一个材料问题，其实撼动了过去好多年来的那种过去那种具象的，从20年代引进来的传统，其实它是怎么撬动，就是材料开始撬动的。也就是刚才郅敏说的，材料你看起来，实际上背后我们不泥塑了，这件事情在雕塑界多大的事情，开始不泥塑了，这是一个非常震撼的事情，就是从材料开始。

我觉得材料在中国，中国人的习惯我觉得还跟老外相对来讲不一样，老外有时候就是材料的形而上学，可能还纯粹一点，确实可能会把材料的东西看作一个纯物质的东西，其实我觉得中国人的观点就是任何时候看任何材料的时候，其实都是有想法的，不会无缘无故说我为什么看这个，不看那个，所有的材料背后中国人都是有想法，我看了好多创作材料的人，你做这个材料是什么，他并不谈材料怎么样，他的想法是材料背后，他的思考他的故事，一套一套的，所以这个确实是分不开的，跟他的观念、想法分不开的。

吕品昌：其实我看雕塑从来就没有离开过材料，自古以来材料就跟雕塑就是捆绑着的，之所以现在把材料当成一个所谓的新的东西进行加以研究，我觉得重要的是它观念改变了。其实我在教学里面一直在强调做材料研究的这些，一个是在一件作品里面一定要有它的思想和观念，另外还重要的是要有它的态度，这个态度非常重要。另外我也特别强调的就是要有技术深度、难度，不管是靠手工还是科技你一定要做的非常极致、非常到位的这种呈现。而不是一个简单的一个点子的观念的呈现。所以，这一点我一直跟郅敏说，在这个版块里面要凸显的就是要有技术难度的主题，另外就是能够呈现实践、呈现观念。所以这个版块我基本上把这些都贯穿了，呈现了很好的面貌。

唐尧：说到材料，十年前2007年到2008，那个时候我就做了两届物界展（音）（54：34），这个物界展实际上就是一个以材料为主题的展览，然后我们上一届第三届的双年展的时候，当时给我比较实验性的版块，实际上非常主要的一部分语言也是材料。在材料这块我认为我们中国的传统当中，实际上是有这样的传统的，我们中国人实际上很适应于把自己的情感，然后寄托在一种材料上，比如说石头，米芾对石头的喜爱，比如说梅兰竹菊这些一些植物，比如说像云在青山水在瓶这样禅宗的诗信，都是借助一种材料的特性去表达我称之为叫“物我同春”的状态，它是人的心性和材料的特性进行一种平等的对话，材料在这个时候不再是一个为了达到我造型完全被动的材质，而是跟我在精神上，在心性上进行对话的平等的朋友式的这样的关系。所以我觉得今天看郅敏这个展览，我真的是看到了我们中国雕塑界这些年向材料方向深入和更广泛的发展的成果。这个广泛性刚才越洁（音）说的，说我们是不是没有边界了，我觉得就是没有边界了。我们雕塑家最大的特权之一就是所有的东西到我手上都是可以变成我的雕塑的材料。

公共艺术篇：科技雕塑，技术是可能艺术是选择

“从上世纪90年代以来，城市雕塑的发展对中国现代雕塑在观念、材料、表现形式上的拓展曾起过积极的推进作用。其在都市化进程中所产生的积极意义亦不可小觑，对当代视觉文化的丰富更是功不可没。然而，就城市雕塑本身而言，却一直难以进入真正的学术评论视野。究其原因，其背后的生产机制是其难以正名的症结所在，因为多数城市雕塑是权力话语与公众趣味相结合的产物。其实质与艺术无关，与特定空间场所无关，至于与公众的关联那就更少了，仅存美学意义上的装饰性，因而缺乏一种艺术类型该有的前卫性、观念性、思想性、批判性和精神性。如果公共空间的艺术作品要担负起上述的文化职责和使命，就现状看来，唯有从‘公共艺术’的角度切入才具备这种可能。当下城乡所涌现出的艺术新气象正是这一可能性存在的端倪。对这类现象的讨论也是在本届双年展中增加‘公共艺术篇’的初衷。”胡泉纯讲到。

公共艺术板块《鄱湖日出》作者：吕品昌。材质：不锈钢结合声光电及LED环绕视频技术。尺寸：长54米，宽20米，高22米。落成时间：2015年5月。落成地点：江西上饶市中心区文化广场

而在具体的策划上面，胡泉纯的策展理念是什么呢？他表示，如果说引发公众的共鸣与共情是艺术作品的原本要义，那么，具体就公共艺术而言，这一触发效应何以产生？这个问题涉及到公共艺术的创作姿态和方法论。这一姿态就是“问题意识”。创作只有切中“问题”，然后再创造性的回应“问题”，才有引发共鸣的可能。而“问题”意识的形成，则源于对空间场所信息全面的解读、分析、提取和转换。只有这样，创作概念才可能具备逻辑性、指向性、在地性。“创作只有关乎到特定的人、特定的空间、特定的事件，作品才能实现与场地的‘锚接’，才有与公众交流的可能，这就是我个人认为的——方法论。”

公共艺术板块项目发起人琴嘎义工计划-百姓幼儿园项目（2015.10.06-2017.08.18）

胡泉纯：在策划这次展览时，更多的是从自己的实践、教学角度出发，当然，也观察到国内很多艺术院校也在做研究和实践，因此，此次展览的公共艺术板块由两部分构成：首先是公共艺术的研究项目，其次是艺术家的创作。这两部分的选择还有一个前提，不管是研究项目还是作品，一定要是最前沿和最新的实践。从研究和实践两个层面出发，构成了我策展的基本理念和挑选艺术家、艺术团队的标准。

从空间上面划分，有城市广场，以前的城市广场通常放置的是城市雕塑，但当下艺术家的创作已经不是城市雕塑的概念，在艺术观念、创作手法、材料运用上都是新的思路，并且这些作品也经受住了人们的考验，比如吕品昌的《鄱阳日出》，代表了目前的最新趋势。

与城市对应的是乡村，这类实践更多的是一种事件，比如由艺术家琴嘎发起的“义工计划百姓幼儿园”，还有雕塑家焦兴涛发起的“羊澄合作社”，这类事件性公共艺术的创作，对我们公共艺术的概念作了一个比较全面的补充。

拿琴嘎的艺术计划来说，他们在西北的一个乡村，通过当代艺术的手法，尝试重塑当地儿童的行为方式和思想方式，让他们接触到最新最前沿的文化，这种影响不是纯粹的视觉艺术能够解决的，在我看来，这种方式意义更大，因为偏远山区的小孩子们，没有太多的机会能够接触到各种艺术活动，他们能够接收到的资讯非常有限，所以像艺术家琴嘎的计划，会产生怎样的影响，未来是不可估量的。

很多时候，我常想在公共空间创作艺术的最终目的是什么？最后得出的答案是人，把一件作品放置在公共空间中，还是要与人沟通和交流，那么这种沟通和交流的目的是什么，从某种意义上来讲，就是要触及人们的内心从而引发情感的共鸣。

吕品昌：这次的公共艺术展览重在突出它的学术性，这些年随着城市化的建设，城市文化的需求越来越大，随之出现大量的公共艺术，但是存在一个很大的问题就是学术的缺失，

胡泉纯此次策划的板块，可以看到，不管是学院还是艺术家的创作，其实是有很多优秀的作品的，他们这些作品因地制宜，深根于当地的文化，人民的生活，甚至和村民一起进行构造，所以作品都很有情感，这些东西才能够留得住。这次的公共艺术展从学术上对公共艺术做了一个完整的梳理，并且找到了很多很重要的案例进行传播，我觉得这是它的很重要的一个亮点。

孙振华：这次公共艺术展有两点非常重要，首先这是一个文献展，试图以一种文献的方式还原。第二，我觉得是一个研究展，研究问题。目前的公共艺术确实很火，但我们要注意的是公共艺术的娱乐化，时尚化这种倾向，比如在乡村稻田里面找几个摇滚乐手唱一场摇滚，就是公共艺术了。现在公共艺术成了一个筐子，所以东西都往里面放，在这种情况下，我们怎么办，一个是强调公共艺术的观念，第二是公共艺术的方法论，至于它的形态可以多种多样，但是公共艺术的观念和方法是需要我们来探讨的。