新国学网:赛迪HQ画廊参展台北当代艺术博览会_台北当代艺术博览会-纽约-美术馆-包括

作为国际重要的当代艺术画廊，赛迪HQ画廊（SadieColesHQ）将于1月17日至1月20日参

作为国际重要的当代艺术画廊，赛迪HQ画廊（Sadie Coles HQ）将于1月17日至1月20日参加台北当代艺术博览会。创办20年来，总部位于英国伦敦的赛迪HQ画廊已代理全球近50位艺术家，以超越界限的先锋思考与前卫风格著称。赛迪HQ画廊推出米歇尔·埃伯利斯（Michele Abeles）、乌里·阿兰（Uri Aran）、卡蒂·赫克（Kati Heck）、吉姆·兰比（Jim Lambie）、莎拉·卢卡斯（Sarah Lucas）、劳拉·欧文斯（Laura Owens）、伊丽莎白·佩顿（Elizabeth Peyton）、乌戈·罗迪纳（Ugo Rondinone）、威廉·萨斯奈尔（Wilhelm Sasnal）、丹尼尔·辛赛尔（Daniel Sinsel）、莱恩·苏利文（Ryan Sullivan）、帕洛玛·瓦尔加·薇兹（Paloma Varga Weisz）和乔丹·沃尔夫森（Jordan Wolfson）等十余位明星艺术家的强大阵容。赛迪HQ画廊-台北当代艺术博览会参展艺术家简介：米歇尔·埃伯利斯（Michele Abeles）米歇尔·埃伯利斯（1977年生于纽约）是美国视觉艺术家。她于1999年毕业于圣路易斯华盛顿大学，获得心理学学士学位；2007年毕业于耶鲁大学，获得摄影艺术硕士学位。使用摄影作为探索身体和人类形态的工具是埃伯利斯的一个特征。在她的图像中，她在将身体处理成现成品、对象、发现和展示的场所之间不断切换，只能被认作是抽象、分散、投射、暴露或打扮等风格的风向标。作为一种在她的作品中保持匿名的方式，埃伯利斯主要在作品中不断探索有限和逃避的概念，重新转换军事技术，以及作为代码和时钟的数字。米歇尔·埃伯利斯的个展包括2018年在赛迪HQ画廊的world cup；Zebra，47 Canal，纽约；Baby Carriage on Bike or Riot Shield as Carriage，惠特尼美术馆（2015）；Find Out What Happens When People Start Getting Real，赛迪HQ画廊，伦敦（2014）；English for Secretaries，47 Canal Street，纽约（2013）；Αγγλικά για Γραµµατείς，Andreas Melas & Helena Papadopoulos，雅典（2013）；Re:Re:Re :Re:Re:，47 Canal Street，纽约。她的作品还在大型群展中展出，包括：Woman with a Camera，芝加哥当代艺术博物馆，芝加哥；America Is Hard to See，惠特尼美术馆，纽约（2015）；DIDING – An Interior That Remains an Exterior ?，Kunstlerhaus，格拉茨，奥地利（2015）；Second Chances，阿斯彭艺术博物馆，阿斯彭，科罗拉多州（2015）；A World of its Own: Photographic Practices in the Studio，MoMA，纽约（2014）； Speculations on Anonymous Materials，Fridericianum，卡塞尔，德国（2013）；Test Pattern，惠特尼美术馆，纽约（2013）；第12届里昂当代艺术双年展，法国（2013）；Empire State，展览宫（由Norman Rosenthal和Alex Gartenfeld策展），罗马（2013）；New Photography，现代艺术博物馆，纽约（2012）。乌里·阿兰（Uri Aran）乌里·阿兰（1977年生于以色列）2004年曾在耶路撒冷Bezalel学院学习设计，2007年毕业于哥伦比亚大学，取得视觉艺术的艺术硕士学位。艺术家现在在纽约生活和工作。他的艺术实践涵盖了广泛的媒体和主题，包括电影、雕塑、绘画和装配。在他的实践中，阿兰构建了一种不确定的能指语言。 “我对语言中意义的不和谐很感兴趣”，他解释道。 “我不知道是不是因为英语不是我的母语的缘故，我看到了意义的延迟。我认为事情是中介的——几乎所有内容都是被引用的。” 与语言的顺序、规律性和陈述性意义相反，他的作品面对早期的风景——视觉和口头，直接和调解：“我的兴趣不在于造成混乱。我正在管理而不是'驯服'在思想和情绪反应过程中摇摆不定的口吃、蜱虫和口吃者。我让人们看到他们。”乌里·阿兰主要的个展包括《乌里·阿兰：早期标记的时代》（Uri Aran: Time for a Early Mark），由莫里茨·韦塞勒（Moritz Wesseler）策展，作为2017年年维也纳策划项目的一部分，克里斯汀König画廊，维也纳（2017）；《关于痛苦的两件事》（Two Things About Suffering），赛迪HQ画廊，伦敦（2016）；《老鼠》（Mice）Koelnischer Kunstverein，科隆，德国（2016）；《水坑，窥视孔》（Puddles, Peep-Hole），米兰（2014）；《五分钟前》（Five Minutes Before），南伦敦画廊（2013）；《和这里，这里，和这里》（and here, here and here），苏黎世美术馆（2013）。他也参加过许多群展，包括：《沃尔特·本杰明：流放的档案》（Walter Benjamin: Exilic Archive），特拉维夫艺术博物馆，以色列（2016）；《做它》（do it），各种国际场馆（2013 -15）；利物浦双年展（2014）；2014年惠特尼双年展，惠特尼博物馆美国艺术馆，纽约；《百科全书式宫殿》（The Encyclopedic Palace），第55届威尼斯双年展，威尼斯（2013）；《帝国大厦：纽约艺术现在》（Empire State: New York Art Now），展览宫，罗马（2013）。 2015年11月到2017年5月，他的作品在沃克艺术中心《问墙本身》（Question the Wall Itself）展出。 2015年，JRP Ringier出版了关于艺术家作品的第一部主要专著，来标记他在南伦敦画廊和苏黎世美术馆的展览，其中包括Fionn Meade和Liam Gillick撰写的文章，以及Beatrix Ruf，Niels Olsen和Fredi Fischli的采访。卡蒂·赫克（Kati Heck）卡蒂·赫克（1979年生于杜塞尔多夫）现在生活和工作于比利时普勒。赫克以其清晰而神秘的绘画而闻名，其中的现实主义从代表性的范畴转变为流动的过程。她的作品分为多种类型——文学、艺术史、民间传说和生活经验，形成了同时和不可分割的束缚。赫克的大型绘画展示了在狂欢、孤独、青春、美丽、醉酒和分离等主题之间摇摆的具象场景，使观众面对极度超现实和充满个人情感的叙事。利用包括生活模型和摄影拼贴画等多种来源，人物角色——通常基于艺术家的朋友——被部署在精心制作的热情场景中。音乐、饮酒、极乐和悲伤在画面中弥漫，产生了一个平行的世界。在这个世界中，晶莹剔透的现实似乎可以解开——仿佛一时兴起——变成寓言、卡通或梦境。她的实践还包括雕塑、电影、表演和摄影。卡蒂·赫克是各种国际展览的常客。个展包括：Heimlich Manoeuvre，赛迪HQ画廊，伦敦（2017）；Meister Stuten Stellvertreter，Tim Van Laere Gallery，安特卫普，比利时和Holy Hauruck，M HKA，安特卫普，比利时（都在2016年）；现代艺术博物馆，安特卫普（2015）；马拉加当代艺术中心，西班牙（2013）；Atelierschiff der Stadt，法兰克福（2010）；Museum Het Domein，锡塔德，荷兰（2008）。卡蒂•赫克在2016年出版了她的作品专著。吉姆·兰比（Jim Lambie）吉姆·兰比的作品包括雕塑、绘画和装置，有着不同的规模和媒介。从大型乙烯地面装置，到镜像墙雕塑，和多部件集合体，他频繁地运用各种搜集到的材料作为研究形式，材质和色彩的催化剂。兰比的地板装置与周围环境互动，沿着建筑空间的轮廓创造出复杂的线形图案，其他的作品则运用反光表面和寻常物件（衣服，单车车轮，别针）来反映和拥抱物理世界。无论是他作品的名称，抑或是作品中时常出现的音乐元素，都反映出音乐在兰比的作品中留下的烙印。兰比曾在格拉斯哥艺术学校就读（1990-94）。他在世界各地参加过中多个展和群展，并于2005年被提名透纳奖。近期个展包括：Totally Wired，Franco Noero，杜林，义大利（2018）；Both Ends Burning，Konrad Fischer，杜塞尔多夫，德国（2018）；Electrolux，The Modern Institute，格拉斯哥，苏格兰，英国（2016 ）；I am A Laser，VoidoidARCHIVE，格拉斯哥，苏格兰，英国（2016）；Zero Concerto，Roslyn Oxley9 Gallery，细腻，澳大利亚（2015）；Sun Rise Sun Ra Sun Set，Rat Hole Gallery，东京（2015）；Answer Machine ，赛迪HQ画廊，伦敦（2014）；Unlimited，巴塞尔艺术博览会，瑞士（2015）。国际群展包括You Imagine What You Desire，第十九届悉尼双年展，澳大利亚（2014）。 Rizzoli于2017年出版了一本关于兰比作品的新书。莎拉·卢卡斯（Sarah Lucas）莎拉·卢卡斯的作品涉及雕塑、摄影作品和装置艺术，惯常具有一种玩世不恭的幽默感，运用家具、食物、小报、丝袜、马桶、香烟等日常“现成品”作为素材，塑造出片段式的肉体观感。卢卡斯的艺术通过残酷和挽歌、猥亵和抒情，探讨了诸如性、死亡、堕落和难以捉摸的英语概念。卢卡斯（1962年出生于伦敦）曾经就读于伦敦工人学院（Working Men's College）(1982-3)、伦敦印刷学院（London College of Printing）(1983–4)和金匠学院（Goldsmith's College）( 1984–7)。在参加精湛的群展《凝》（Freeze）(1988)之后又于1992年在伦敦城市赛跑（City Racing）举办了个展《钉在板上的阴茎》（Penis Nailed to a Board），在金利街举办了《整个笑话》（The Whole Joke）。她在1993年与翠西•艾敏（Tracey Emin）展开了为期六个月的冒险，在贝思纳尔格林街合作了 “商铺”（The Shop）。之后，她参加了许多国际展览，其中大型展览包括纽约现代艺术馆展览(1993)；鹿特丹博伊曼斯•范伯宁恩美术馆展览(1996)；法兰克福门廊博物馆展览(1996)；伦敦弗洛伊德博物馆展览(2000)；巴塞罗那德克拉•色拉文化中心展览(2000)以及英国泰特美术馆的《In-A-Gadda-Da-Vida》（与安格斯•菲赫斯特和达米恩•赫斯特合作）(2004)。 2005年，在苏黎世艺术馆、汉堡艺术协会和泰特利物浦美术馆举办了她的作品回顾展。近年来的国际展览包括奥地利克雷姆斯美术馆展览(2011)；新西兰奥克兰的NUZ: Spirit of Ewe, Two Rooms (2011)；墨西哥城阿纳瓦卡依博物馆（2012年；最近记载在百科全书TITTIPUISSIDAD中）；《普通事物》（Ordinary Things）利兹亨利•摩尔美术馆(2012)。 2012-2013年在赛迪HQ画廊的一个空间SITUATION为卢卡斯展出了八场展览。 2012年发布了《2005年之后-2012年之前》，出版了关于她2005年来七年多的作品。 2013年她在伦敦白教堂画廊举办展览，同时还有广泛的参展目录；之后还在维也纳分离派会馆 (2013-14)和格拉斯哥Tramway画廊(2014)举办展览。 2015年她代表了英国在威尼斯双年展中出展I SCREAM DADDIO（同时还有广泛的参展目录），之后她在伦敦约翰•索恩爵士博物馆举办了威尼斯雕塑展《女性力量》（POWER IN WOMAN） (2016)；以及英国赫尔的赫伯街画廊展览(2017)。劳拉·欧文斯（Laura Owens）二十多年来，劳拉·欧文斯开创了一种创新的绘画方法，使她成为了她这一代最有影响力的艺术家之一。她大胆而实验性的创作挑战了关于形象和抽象的传统假设以及前卫艺术、工艺、流行文化和技术之间的关系。欧文斯（1970年生于俄亥俄州欧几里德）在洛杉矶生活和工作。她就读于罗德岛艺术学院、Skowhegan绘画雕塑学院和加利福尼亚艺术学院。在2017年她在纽约的惠特尼美术馆举办了重要的职业中期回顾展，该展览还于2018年巡回至洛杉矶当代艺术博物馆（The Geffen Contemporary）、加利福尼亚州和达拉斯艺术博物馆、德克萨斯州（一直持续到2019年3月25日）。近期的个人展览还包括：Ten Paintings，沃迪斯当代美术馆，旧金山，美国(2016)；“分裂” （Secession），维也纳(2015)；12 Paintings by Laura Owens and Ooga Booga #2, 356 S. Mission Rd.，洛杉矶(2013)；Pavement Karaoke / Alphabet，赛迪HQ画廊，伦敦(2012)；有92幅画和51本草图的主要装置，巴塞尔艺术展(2012)；波恩艺术博物馆，德国(2012 )；博尼范登博物馆，马斯特里赫特，荷兰(2007)；苏黎世美术馆，苏黎世，瑞士(2006)；以及当代艺术博物馆，洛杉矶(2003)——这个展览巡回至阿斯彭美术博物馆、密尔沃基美术博物馆以及北迈阿密当代艺术博物馆。伊丽莎白·佩顿（Elizabeth Peyton）伊丽莎白·佩顿是美国艺术家，主攻油画、素描和版画。她最出名的作品是她的肖像画了。从她自己的密友到历史人物再到当代文化偶像，她的作品主题不仅涉及她个人生活中的人物，还涵盖了个人生活以外的人物。其中不乏艺术家、作家、音乐家和演员。佩顿凭借对色彩和图形的敏锐度，将画作主题加以变化，在神似之间注入激情、魔幻和一丝超越日常生活的美感。她将对笔触的出色领悟与适当比例运用结合起来，在不同作品间大胆地改变着风格，常能塑造出外部形象和内部主体之间的张力。从生活到照片，佩顿的作品涉猎广泛，融合了对历史性肖像画和艺术性肖像画的洞察，从戈雅到沃霍尔，拥有自由性以及显著现代性表达，以实现世俗和超验领域之间的震荡。伊丽莎白·佩顿（1965年生于美国康涅狄格州丹伯里）曾就读于纽约视觉艺术学院（1987年毕业）。主要个人展览包括雷克雅未克Kling&Bang《世界呼吸的宇宙》（Universe of the World-Breath）（2018）；罗马美第奇别墅The French Academy in Rome的伊丽莎白·佩顿-卡米耶·克洛岱尔展览《永恒的偶像》（Eternal Idol）（2017）；东京原美术馆个展（2016）；纽约大都会歌剧院，《特里斯坦与伊索尔德》（Tristan und Isolde）和《玛侬·雷斯考特》（Manon Lescaut）（均为2016年）；2016年初赛迪HQ画廊个展；在美国圣路易市米尔德里德巷肯佩尔艺术博物馆和德国吕塞尔斯海姆Opelvillen（均为2011年）举办的回顾展《幽灵》（Ghost）、主要的回顾展包括美国明尼阿波里斯市沃克艺术中心《永生》（Live Forever），之后在纽约新当代艺术博物馆、伦敦白教堂艺术画廊和荷兰马斯特里赫特博尼范登博物馆巡回展出（2009-10）。乌戈·罗迪纳（Ugo Rondinone）乌戈·罗迪纳（1964年生于瑞士）在纽约生活和工作。他长期以来一直使用各种形式和媒体来创作。作为一个整体，他的作品构成了对社会和物质结构的复杂网络的回应。通过允许自己在这样的正式和主题中自由创作，罗迪纳为创作提供了广阔的情感范围。他的作品已因其对心理表现力和对人类状况以及人与自然的关系的深刻洞察而得到关注。他不仅创作了几组与众不同的画作（景物、坛场、地平线、窗户、星星和砖墙），还使用不同材质制作不同风格的雕塑（包括目前仍在继续创作的雕塑系列《静•物》（still.life）和许多大型面具）、纪念性风景画、静物画以及基于文本的作品。他的作品饱含浓郁的诗意，始终体现着时间、宇宙轮回、日夜对立等普遍主题。他最近的个展包括佛罗里达州迈阿密海滩The Bass《晚安美丽的蓝色》（good evening beautiful blue）；加州伯克利艺术博物馆和太平洋电影资料馆《世界只会让我发笑》（the world just makes me laugh）；俄亥俄州辛辛那提当代艺术中心《让我们重新开始这一天》（let's start this day again）；莫斯科Garage Museum of Contemporary Art《你的时代、我的时代和彩虹的时代》（your age and my age and the age of the rainbow）（都在2017年）；鹿特丹博伊曼斯•范伯宁恩美术馆《孤独词汇》（Vocabulary of Solitude）；尼姆艺术广场《成为土壤》（Becoming Soil）；罗马当代艺术博物馆《现在时》（Present Tense）；在内华达里诺展出的与纽约艺术基金会和内华达艺术博物馆合作完成的公开露天作品《七座魔山》（Seven Magic Mountains）（都是在2016年）；巴黎东京宫I ♥ John Giorno（2015）；墨西哥科约阿坎市纳瓦卡依博物馆naturaleza humana展览（2014）；比利时勒芬M博物馆《感谢您，寂静》（thank you silence）（2013）；芝加哥艺术学院《我们烫红着脚穿过沙漠，所有人表情扭曲》 （we run through a desert on burning feet, all of us are glowing our faces look twisted）（2013）；纽约洛克菲勒广场公共艺术基金会《人之天性》（human nature）（2013）；格拉斯哥Common Guild画廊《原始》（primitive）（2012）；雅典基克拉迪艺术博物馆《赤裸》（nude）（2012）；瑞士阿劳市阿尔高美术馆《领军之夜》（The Night of Lead ）（2010）。威廉·萨斯奈尔（Wilhelm Sasnal）波兰画家威廉·萨斯奈尔（1972年生于塔尔诺）的作品在规模和主题上各不相同，见证了日常生活和历史上遥远的时刻，在现实主义和幻想、形象和不切实际的装饰性之间进行调和。与萨斯奈尔最早的作品往往鲜明而独立的特性形成鲜明对比的是，他最新的作品呈现出的显然是从更宏大和丰富多彩的叙事中解脱出来的状态。萨斯奈尔往往会戏剧化油画本身的流动性——它既可以召唤和混淆图像，也可以擦除或模糊图像。威廉·萨斯奈尔（1972年生于波兰塔尔诺）在欧洲和美国举办过许多个展，包括伦敦赛迪HQ画廊(2018)、爱尔兰利斯莫尔城堡艺术画廊(2013)、德国慕尼黑美术馆( 2012)、伦敦白教堂艺术画廊(2011)、德国杜塞尔多夫K21当代艺术博物馆和洗版耶马拉加当代艺术中心(2009)、华沙Zacheta国家艺术画廊“威廉·萨斯奈尔-奋斗年代” （Wilhelm Sasnal - Years of Struggle）展览(2008)、加州伯克利伯克利艺术博物馆(2005)以及瑞士岁历史艺术馆(2003)。他曾参加2004年第26届圣保罗双年展，2004年还荣获阿姆斯特丹市立博物馆年度文森特奖四强。他与安卡·萨斯奈尔（Anka Sasnal）合作，撰写并导演了四部长篇电影《胡鲍》（Huba）(2013)、《远观不错》（It looks pretty from a distance）(2011) 、《辐射》（Fallout）(2010)以及《猪倌》（Swineherd）(2009)。一本关于萨斯奈尔的新书即将在Rizzoli出版社出版。丹尼尔·辛赛尔（Daniel Sinsel）丹尼尔·辛赛尔（1976年出生于德国）现在生活和工作于伦敦。他于2002年获得伦敦切尔西艺术与设计学院艺术学士学位，并于2004年获得皇家艺术学院艺术硕士学位。辛赛尔的绘画和雕塑采用各种材料来探索空间、体积、幻觉和色情主题。在过去的十年中，他的实践已经从男性的性暴力描写——通常将同性恋色情与艺术历史技巧和比喻相融合——到关于形状、物体和空间的色情的更抽象的探索。辛赛尔的作品以错视画法(trompe l’oeil)和技术精确性著称，使用多层油画颜料构建作品。在清晰呈现的肖像画和对象的幻觉描绘或后退空间之间，它们自觉地探索媒介的历史。每一件作品反身地探寻它本身材质的历史，即刻间饱含着贫穷艺术，古典图案，和静物流派的抽象物质性。在最近的作品中，辛赛尔探索了绘画、雕塑和纺织品之间的区别——例如，将亚麻织物编织成网格，其同时作为绘画的支撑和抽像图案，并且在很多作品表面嵌入符号物体（玻璃盘、坚果或珊瑚）。他的绘画和雕塑都表现出其材料的独特品质和联想 - 包括丝绸和金子，以及赤土陶器、意大利面和坚果壳。辛赛尔反复确定无生命物体和物质形态之间的“选择性亲和力”：贯穿他的许多作品是形式主义关注（例如具有对称性和轴向构成）和物质关系的组合，反映出隐性意义上的有机物或色情。丹尼尔·辛赛尔（1976年出生于德国）现在生活和工作于伦敦。他曾就读于切尔西艺术与设计学院和皇家艺术学院。他有很多国际展览，近期展览包括：CONDO纽约，纽约Simone Subal Gallery和伦敦赛迪HQ画廊，纽约（2018）；赛迪HQ画廊，伦敦（2016）；British Art Show 8，Inverleith House，爱丁堡，并在2016到2017年间在英国多个场馆巡展；Making & Unmaking，卡姆登艺术中心（由Duro Olowu策展），伦敦（2016）；MIRRORCITY: 23 London Artists，海沃德美术馆，伦敦（2014）； Somewhat Abstract: Selections from the Arts Council Collection，诺丁汉当代艺术馆，诺丁汉，英国（2014）；Jerwood Contemporary Painters，捷吾艺廊，伦敦（2010）；Compass in Hand: Selections from the Judith Rothschild Foundation Collection of Contemporary Drawing， MoMA，纽约（2009）；Beck's Futures，当代艺术学院，伦敦（2006）。 2011年，他出版了一本出版物以配合他在伦敦Chisenhale画廊举办的个展。莱恩·苏利文（Ryan Sullivan）莱恩·苏利文的巨型油画由许多层组成，反应了他眼中充满活力、不断演化的抽象模式，每一幅画作都是对其自身创作的实体记录，体现同时也说明了物质流和物理过程。苏利文的最新作品标志着他的新轨迹。他将涂料层倒入专门设计的模具中，由此产生的雕塑画让我们见证了艺术家做决定的过程。莱恩·苏利文（1983年生）曾就读于美国罗德岛州普罗维登斯罗德岛设计学院。他最近在国际上的个展包括：这个月早些时候在伦敦赛迪HQ画廊开幕的“一分钟的音乐，一分钟的时间”（one minute's music, one minute's time）、在纽约马卡罗内画廊的个展(2017)、在伦敦赛迪HQ画廊的个展(2106)、在迈阿密当代艺术学院的个展（2015年，这也是他在美国的第一个机构展览，附有目录）、在希腊海德拉美术馆的个展(2013)等；群展包括义大利贝加莫的“黑洞，艺术与物质从非正式到隐形”（Black Hole, Art and Materiality from Informal to Invisible）(2018)、与伦敦赛迪HQ画廊一起参展“CONDO上海”(2018)、黎巴嫩贝鲁特Aïshti基金会举办的“新的皮肤”（New Skin）(2016)、纽约FLAG基金会举办的“表面张力”（Surface Tension）(2015)、义大利罗马展览宫的“当代纽约艺术展” (2013)、圣路易斯白期项目“没有什么能彻底改变自己”（Nothing Turned Itself Inside Out）(2013)等。 2013年，他是位于佛罗里达州卡普蒂瓦岛的罗伯特•劳森伯格基金会的居住艺术家，以及德克萨斯州马尔法的Chinati基金会的驻场艺术家。苏丽文现居于纽约。帕洛玛·瓦尔加·薇兹（Paloma Varga Weisz）帕洛玛·瓦尔加·薇兹（出生于1966年）的作品横跨雕塑、油画和绘画，探讨有关记忆、死亡和悲喜剧的主题。在她的职业生涯中，瓦尔加·薇兹尝试过各种不同的艺术媒材，包括木刻、陶艺、金工和水彩。她的许多作品都在探讨形变、质变及神秘之物的概念，并充满了艺术史与文学之间的共鸣——德国民间传说、基督教图像与现代主义雕塑融合共存。这些角色混合了泥人生物，让人想起童话故事和民间传说的超现实主题。在她职业生涯的初期，瓦尔加·薇兹曾在1987年到2000年之间在巴伐利亚接受木刻艺术家的锻炼，并自此一直利用和发展这一技术，以挖掘它丰富的图像历史。她许多雕塑作品与其水彩画中想像的角色和生物十分相近，反之亦然。其最近的油画系列作品被赋予了似曾相识的梦幻景象，并继续进行着瓦尔加·薇兹式对于建筑、人类与动物元素的有趣实验。我们能找到蘑菇的海绵状菌柄里一个不起眼的小屋；一个小男孩被一朵孤立的云追逐着；还有自由漂浮的头，表情安详、幽默又隐约充满悲伤。每个精心绘制的小插图都像一个寓言中的场景，融合了神话、欢乐和模糊不清的性心理。帕洛玛·瓦尔加·薇兹（1966年生于德国曼海姆）目前生活和工作于德国杜塞尔多夫。她曾就读于杜塞尔多夫艺术学院。主要个人展览包括Wild Bunch，赛迪HQ画廊，伦敦（2018）；Skulpturenhalle，霍尔茨海姆Thomas Schutte基金会（由Dieter Schwarz策展），德国（2017）；Kabinettstück，多瑙埃辛根Fürstenberg Zeitgenössisch （由Moritz Wessele策展），德国（2016）；Glory Hole，Salzburger Kunstverein，萨尔斯堡，奥地利（2015）；赛迪HQ画廊，伦敦（2014）；Krummer Hund，德国不来梅港Kabinett für aktuelle Kunst、都柏林海德美术馆（2013）；德国勒沃库森的牟尔斯布鲁伊士博物馆（与罗斯玛丽·特罗克尔（Rosemarie Trockel）联合展出）；Spirits of My Flesh，卡迪夫Chapter（2011）（ 2006年在都柏林海德美术馆展出）。参与的重要群展包括：The Marked Self: Between Annihilation and Masquerade，格拉茨博物馆，奥地利（2015）；THE PROBLEM OF GOD，北莱茵-威斯伐伦艺术品收藏馆，杜塞尔多夫，德国（ 2015）；The Human Factor: Uses of the Figure in Contemporary Sculpture，海沃德美术馆（2014）；Sculptures from the art academy Düsseldorf since 1945，北莱茵-威斯伐伦艺术品收藏馆，杜塞尔多夫，德国（2013）；Exquisite Corpses: Drawing and Disfiguration，现代艺术博物馆，纽约（2012）；the Folkestone Triennial，英国（2011）；Lust for Life and Dance of Death，克雷姆斯美术馆（2010）；柏林双年展（2006）。乔丹·沃尔夫森（Jordan Wolfson） 在过去的十年中，乔丹·沃尔夫森已成为美国最有野心和最令人兴奋的艺术家之一。沃尔夫森的作品包含有影像、电影、装置、表演、版画和摄影。使用动画、数字成像和动画雕塑，他最近的作品集中在文字和虚拟现实上，特别是将内在冲动（欲望、乐观、暴力或内疚）投射到构造的个人或场景中。从2009-12年度开始，他创作了三部曲《用牛奶》（Con Leche）(2009)，《动画面具》（Animation Masks）(2011)，以及《树莓伪装者》（Raspberry Poser）(2012 )。在沃尔夫森的动画电影中，包括他的新作《江轮之歌》（Riverboat song）(2017)，一个中心角色或“头像”似乎是一种替代艺术家的手段，但同样也更具个性的作为当代焦虑、偏见和欲望的渠道。沃尔夫森的作品中同样包含耀眼的自动人形《女性轮廓》（Female Figure）(2014)和《彩色雕塑》（Colored sculpture）(2016)，这些机动作品似是历史悠久的“活雕像”，探索艺术与生活及雕塑对象和有感情人物之间的区别。在他精心制作的喷墨打印作品中，如同他的影像作品，沃尔夫森将电脑制作的图像和多层次现有的摄影交织在一起。在他最近的雕塑中，沃尔夫森对他作品中重复出现的各种虚构、童话和角色进行了实体捕捉。乔丹·沃尔夫森1980年出生于纽约，2003年取得罗德岛设计学院雕塑专业艺术学士学位。他的作品《真实暴力》（Real Violence）(2017)在纽约惠特尼双年展展出。他的个人作品展包括在伦敦塞迪HQ画廊举办的《江轮之歌》（Riverboat song）(2017)；在阿姆斯特丹市立博物馆举办的《真理/爱情和躁狂/爱情》（Truth/Love and Manic /Love）(2016和2017)；法国阿尔勒市亮度基金会举办的《乔丹·沃尔夫森：彩色雕塑》（Jordan Wolfson: Colored sculpture）(2016)；俄亥俄州克利夫兰艺术博物馆举办的《乔丹·沃尔夫森：早期的两个作品》（Jordan Wolfson: Two Early Works）(2015)；阿姆斯特丹市立博物馆在根特市也组织展出了《沃尔夫森：这个人/伪装者》（Jordan Wolfson : Ecce Homo/le Poseur）(2013)；和伦敦Chisenhale画廊举办的《树莓伪装者》（Raspberry Poser）(2013)。参加的集体艺术展包括伦敦泰特博物馆举办的《卡通世界》（World As Cartoon）(2017)；俄罗斯圣彼得堡国家冬宫博物馆举办的《宣言展10》（Manifesta 10）(2014)；格拉斯哥第六届国际展(2014)；以及由巴塞尔艺术博览会Klaus Biesenbach和Hans Ulrich Obrist策划的《14个房间》（14Rooms）(2014)。 2009年他获得了Frieze基金会颁发的卡地亚奖。

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