卡尔·安德烈《The Tate Bricks》，1975年
卡尔·安德烈是上世纪美国最重要的雕塑家之一，同时也是美国战后极简主义运动的中心人物和推动者。他通过材料来“切割”空间，在有序的网格雕塑探索和创作中重新定义了雕塑的“存在”。
“若要切割素材，不如直接切割空间”
卡尔·安德烈（carl andre）1935年生于马萨诸塞州昆西，他曾与索尔·勒维特（Sol LeWitt）、唐纳德·贾德（Donald Judd）等艺术家一起反对“情感过剩”的抽象表现主义，推动了战后艺术史上影响深远的运动——极简主义。
在创作早期，卡尔·安德烈的雕塑风格深受艺术家康斯坦丁·布朗库西（Constantin Brancusi）的影响，创作了《第一个梯子（First Ladder）》（1958年）和《最后的梯子（Last Ladder）》（1959年）等向后者致敬的作品。
通过布朗库西，卡尔·安德烈认识了对其后期创作至关重要的艺术家——弗兰克·斯特拉（Frank Stella），并与他共享一间工作室。一次，斯特拉对正在创作的安德烈说（关于从安德烈雕塑中取出的木头）：“那也是雕塑。”
一次不太清晰的沟通激发了卡尔·安德烈新的创作思路：“木头在没被雕刻之前更好，我并没有在任何程度上改善它。”他由此开始了“不雕刻”的雕塑创作。
卡尔·安德烈《柴堆（Pyre）》，1960年
“艺术是排除不必要的”，他曾宣称：“如果要切割素材，不如把它们直接拿来切割空间。”与大多数艺术家不同，卡尔·安德烈不把材料割成空间，而是把它作为空间的切割。
1960－1964年，卡尔·安德烈一直在宾夕法尼亚铁路工作。他这段时间里的创作主要以写作为主，作品《12对话》尤为引人注目：安德烈和好友霍利斯·弗兰普顿（Hollis Frampton）轮流在打字机上用诗歌和自由形式的类似散文的文本相互回应。
“铁路是我最后的艺术学院。”在铁路工作的四年里，卡尔·安德烈虽然没有什么知名的雕塑创作，但这段经历对其影响深远。“铁路完全让我远离艺术的造作和虚伪。”铁路的钢板线和有序性在他心中留下了深刻烙印，“铁路是材料的巨大宝藏......是材料的重要来源，而且全部免费。”他经常把这些材料捡回家备用。
卡尔·安德烈《养殖业（escultura）》
1965年后，卡尔·安德烈成为了极简主义运动的重要人物。以往雕塑惯用的昂贵材料被他摒除，朴素的材料开始成为其创作元素：工业用砖、钢板，建筑的铝、铅、镁板，甚至木块、石头。
卡尔·安德烈《相等的 V（Equivalent V）》，1966–1969年
很多时候，艺术家会直接将他感兴趣的材料赤裸地“安排”在地面上。“我只能站在要创作的环境里，手里握着材料才能工作。”对他来说，预想和草稿都不如现场空间瞬间的即兴创作。
卡尔·安德烈《从地板上取下来的砖（Bricks -- taken from floor level）》
卡尔·安德烈《铜带（Copper ribbon）》，1969年
从1966年起，卡尔·安德烈开始称他的作品为“雕塑作为场地”（Sculpture as space）。他认为：材料作为艺术品的状态是在特定空间中才存在的。他在每次接受画廊和博物馆的委任后都会亲自寻找材料、设计空间规模和比例，直到80岁时依旧亲历而为。
“雕塑不只是用眼睛来观看的。”在卡尔·安德烈的“地板作品（Floor Pieces）”系列中，不同的材质被融于地板之中，与环境一起成为了“背景”。面对空荡荡的展厅，人们最开始可能会疑惑；当在毫无察觉中踩到它们时，才意识到原来作品就在脚下。
“我们生活在复制的世界里”
1976年，其作品《The Tate Bricks》在伦敦泰特美术馆展出，瞬间点燃社会舆论。这件作品由120块一样的普通耐火砖排列组成，据说这些老砖块市场价格只有几块钱，而成为他的作品后升值为两千多英镑，被称为“世界上最贵的砖块”。随后，该作品登上了几乎所有新闻，整个英国陷入了对这件作品的议论中。
“一堆基本都在地上的砖块，而他们称之为艺术。”在当时经济衰退的时政背景下，这件艺术品被认为是浪费资金和空间的创作。有趣的是，越来越多的人们前来围观这件艺术品，这些颇受质疑的砖块就这样深深地印刻在了公众的记忆里。
卡尔·安德烈《The Tate Bricks》，1975年
卡尔·安德烈《铝路（Aluminium Row）》，1976年
每个艺术家对当代艺术都会有自己的理解和表达方式，在卡尔·安德烈身上表现得尤为强烈。他倡导将雕塑作为场地，雕塑的每一个个体均等、对称、可置换，独立而又平等地在连接与抵消中分享着彼此间的张力。“我们生活在一个复制品的世界里，我拼命地在复制品的世界中去生产不是任何复制品的东西。”
卡尔·安德烈《未雕琢的街区（Uncarved blocks）》，1975年 © iDaily Media
卡尔·安德烈将个体聚拢排阵，或者加入新的复制结构，来重塑和定义雕塑空间。由此，雕塑开始形成独特的场域，散发着力量和气场。
卡尔·安德烈《广场中的田野（Field in the square）》，1978年
“我的理想雕塑是一条道路”
卡尔·安德烈在“解放”雕塑的过程中阐释“原生”，伴随着自然演替和工业化发展的节奏，他带领的极简主义奠定了大地艺术的基础。“实际上，我的理想雕塑是一条道路”——带有移动视角的“道路”在他的创作语言中自然地存在与消逝。
卡尔·安德烈《43 Roaring forty 》，1968年
“我的雕塑是地板。就像地球表面上的任何一个区域一样，每一个都支撑着一个称为“空气”的空气柱——它是什么？每平方英寸14.7磅。”卡尔·安德烈是艺术变革中的重要力量，他脱离传统雕塑的优越感，改变雕塑以往“直立和基座”的模式，将其融入到非视觉中心的地板环境中，只为表现自然的“存在”。
卡尔·安德烈《依旧是蓝色范围（Still Blue Range）》，1989年
卡尔·安德烈经常阅读《道德经》，这本哲学著作启发了他关于“雕塑切割环境”和“雕塑与环境共生”的探索灵感。他从不介意自己的作品被称为极简，他认为“自我”在作品中越少越好。“在我的人生中，从没有过任何有意的选择，我一直在随波逐流、没有被驱使，而是顺其自然。”坦然随性的处事态度正如他的作品一样：天然的“原生态”。
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