疫情之下，武汉美术馆今年有多个展览计划受到影响。恢复开馆5个多月后，经历了曙光到复苏，终于如期推出了跨年大展，也是本年度的重磅展览。
2020年12月11日，“水墨文章——我法像心：当代水墨研究展（第六回）”在武汉美术馆开幕，由北京画院院长吴洪亮先生为策展人，邀请田黎明、邢庆仁、张江舟、张望、周京新、武艺六位艺术家参展。作为当下水墨人物画创作最具代表性的人物，他们在人物画创作领域一直探索、引领者当代人物画创作的最新动向。此次展出的90余件作品既有他们早期的习作、代表作，也有近年创作的新作。
展览现场
“水墨文章——当代水墨研究展”是武汉美术馆努力建构当代水墨画创作批评研究体系的学术展览项目。自2011年发起至今，已围绕“写意精神”、“文脉创化”、“笔法维度”、“色界变象”、“墨道无间”五个主题展开了一系列讨论并举办了多场学术研讨，此次“我法像心”一如既往的注重当代水墨学术方面的梳理、研究。
武汉美术馆馆长陈勇劲表示，徐悲鸿、蒋兆和、林风眠、吴冠中、卢沉等这些艺术前辈的有力探索和实践，促进了当下人物画的多元化发展。本次参展的六位艺术家均深受此变革之影响，但同时他们也保持着鲜明的个人特点，作品显示出更强的时代气息。此次展览的分析与研究，旨在对艺术家们的创作有一个宏观的呈现和了解。无论是对艺术爱好者自身实践的指引，或是对当代中国水墨人物画创作现状的探讨，都具有积极的意义。
策展人吴洪亮认为，在半个多世纪的时间里，中国人物画的发展创新一直没有脱离传统和“徐蒋体系”这两条线，所有变化都是依此前行。武汉美术馆艺术总监高小林视其为“对当下中国人物画状态的精准概括”。在高小林看来，此次展览是继《墨道无间》之后武汉美术馆对现代中国人物画发展路径的再次梳理。两个展览相距才两年多一点的时间，但展出的作品却跨越大半个世纪，所呈现的现代中国人物画面貌也大有不同。
策展人、北京画院院长吴洪亮导览现场
在展览开幕式当天，武汉美术馆组织了此次展览策展人、北京画院院长吴洪亮导览和主题为“从‘我法’到‘他法’”的沙龙对谈，艺术网和艺术头条都进行了全程直播。其中，策展人吴洪亮的导览是从他与武汉美术馆的渊源开始的。
在2008年武汉美术馆的开馆中，吴洪亮参与了“北京画院藏齐白石作品展”的相关工作，第一次将齐白石的手稿与作品进行对照展出。
“从这个展览中，我体会到了齐白石先生说的那句话，写生而后写意，写意而复写生。先从描摹对象开始，然后开始写意的创作，最后从主观性的思想回到对于物象和造化的认知。之所以用这段话来开始今天的话题，是源于对于过往的期待。齐白石生于1864年，这么多年过去了，我们对这位艺术家及其作品的未来仍有很多期待，还在不断发现很多新意。此次联合武汉美术馆和六位当下中国重要的人物画大家推出‘我法像心’也是出于这样的想法。”
吴洪亮介绍，所谓“我法”当然有取自于古人之法，但核心是要找到自我之法；“像心”是指有了法以后，还要有自我认知和真诚付出。“我法像心”的过程，就是艺术家寻找契合内心世界的新旧程式语言，从而建立个人艺术风格的过程。
此次参展的六位艺术家均是当今画坛颇具影响力的大家。他们普遍出生于上世纪五、六十年代，经历了改革开放等国家重大历史变化。与蒋兆和等前辈艺术家不同，这一代中国画家面对着更加复杂的传统。一方面，他们在学院中接受正规的造型训练，而这个教学架构普遍脱胎于“徐蒋体系”。另一方面，他们又同时面对着传统中国画的厚重积淀以及国门开放后急剧涌入的西方艺术视觉资源。成长于相同的时代环境，拥有类似的视觉资源，但又建立起了迥然各异的风格面貌，他们堪称“我法像心”的典型案例。
所以，此次展览以中国传统人物画与20世纪“徐蒋体系”的变迁为底色，不仅呈现了每位艺术家成熟时期的代表作和新近创作，也挑选了他们的早期创作乃至在校期间的习作，以期揭示各位艺术家“我法”的建构历程。
田黎明，水墨人物写生，139 × 69 cm，1983年
田黎明 《寻》纸本水墨，200 × 86 cm，2012年
此次展览展出了田黎明两张1983年的人物画写生习作。那时候，田黎明刚从新疆来到中央美术学院。这些习作充分反映了艺术家扎实的写实功力和早期受到的水墨人物画训练。从1990年代后期开始，田黎明开始个人风格探索，无论是课堂写生，还是他的《夏日》等作品都在有意地将光、水等自然因素融于人物画的表现之中。近几年的创作中，田黎明对于传统的汲取更有意识。今年的新作《红》、《蓝》、《绿》、《青》等以颜色命名的系列作品，被视为具有实验性的现代高士山水，既接续了传统山水人物画的文脉，又在形式、趣味、风格上具有全新的“我法”。
“上个世纪80年代到90年代是中国水墨最大的变迁时代，从田黎明这些作品中，我们可以触摸到那个时代水墨人物的基本变化。从徐蒋体系开始的中西融合，把素描的概念带入到水墨中，蒋兆和先生又强化了线条的重要性。到了卢沉和周思聪先生，他们在这个基础上进行了变形和现代性的研究。田黎明在继承前人的基础上，也有了自己的个人特色。田黎明的中国画源于徐蒋体系，受老师卢沉和周思聪影响非常大。最开始他还是非常注意形体和对象，慢慢开始转向主观化的光影。从他近些年的作品可以看到，与他早期的课堂习作已经完全不同，他希望通过中国画的方式把光这个概念带到纸面上，是那种淡淡的、晕晕的光的效果。这种笔精墨妙的细微效果，需要来现场才能感受。”
《路人》，120x68cm，1996年，周京新
《水浒-1》.68X68cm，2006年，周京新
周京新此次展出了他极具代表性的《水浒》题材作品，也有近些年的《人物写生》系列。同样是水浒题材，与早期作品的趣味性和装饰性相比，2006年的《水浒》则呈现出完全不同的面貌，写意性的大笔触和鲜艳的色彩构成了画面的主调。在另一路纯水墨的创作探索中，周京新由叙事结构转向单纯的人物形体和精神状态的描绘。从2008年《面孔》到2015年《人物写生》系列，周京新在以人物为载体的水墨实验里，逐渐淡化了人物的面目形象，形体姿态与水墨层次所编织的雕塑感越来越突出。
“周京新对于自己的水墨作品有一个表述，用水墨画雕塑。雕塑最重要的是空间逻辑，而中国画强调线。用线去呈现空间逻辑，周京新不仅进行了一些变形，还把中国传统的‘墨’的概念在当下进行了重新整理和提升。从他偏早期作品到近作，可以看到这是一个逐渐成熟的过程。如果说刚开始他用没骨法和水墨雕塑概念还带有一点探索性，还在找这种语言的妙处，到现在已经是游刃有余，进入了一种新的状态。艺术家找到一个独特的语言也许不是特别难，但是‘我法’能成立、变化，能建构一种自己的模式和样式，是非常难的。一方面要求适用度要特别强，另一方面还要具有非常强的可识别度。”
《老人肖像》 136cm×68cm 纸本水墨 1988年 武艺
《修真图之二·雨水》 45cm×70cm 纸本水墨 2018年 武艺
此次展览展出了武艺的很多早期作品，“那是他创作的底色，或者说是他近二十余年作品中，几乎看不到的另一面。”
武艺是卢沉先生最后一名研究生。从他的早期习作可以看出，徐蒋体系的笔墨和造型等这些基本功非常强悍，慢慢开始做些变形。《戴毡帽的老人》和《老人肖像》反映了他在1980年代求学时期受到的人物画训练，武艺的“我法”构建已现雏形。武艺曾于2006年创作过《机车大夫》，这是恩师卢沉在1964年画过的名作。除了题目相同外，两幅作品在艺术表现上完全是迥然的两种风格。近年来，他对于汲取传统倾注了更多心力，在《先贤像传》系列中，武艺以他钟情的白描描绘了一位位先贤前辈。白描被视为文人画系统的重要组成部分。《修真图》系列更是与传统具有千丝万缕的联系。
吴洪亮介绍此次邀请武艺参展的重要原因是，不管画什么，武艺永远都是用“我法”在画。在吴洪亮看来，如今武艺的作品表面上从题材到画法仿佛有些“复古”，其实不如说是“复心”，他在摆脱曾经在学院中积习的那些负累，随心而为、随性而做，因此笔端的那些形象自然就越发的疏朗飘逸。
《圣途》 200cmx260cm 纸本水墨 1998年 张江舟
阙·辰 135cmx135cm 纸本水墨 2020年 张江舟
张江舟的中国人物画大气磅礴，正是以扎实的写实功力为前提。张江舟早期的《圣途》取材现实、人物众多、庄严浑厚，具有一种史诗效果。在他2000年创作的旷工系列写生作品中，可以清晰看到变形、笔墨的变化和处理。在汶川地震后，张江舟的作品风格发生了极大转变，开始通过笔墨呈现对人性、生死这些重大问题的思考。新作《阙》系列为张江舟在疫情期间创作，他以中国传统的时辰概念审视现代生活，在内容上具有时代精神，在形式上又更加强调水墨本身的表现力，呈现出一种别样的气象。
在吴洪亮看来，有过从军经历的张江舟一直有种家国情怀，以一种艺术家的角度关注着大事件。来到展览现场的张江舟对此表示认同：“有些年轻人可能会窃笑，一个画家手里就一支笔，怎么会有那么多的所谓家国情怀和使命责任？我不回避这个问题，这是一代人的成长经历造成的，是一种基本的价值判断。这种东西丢不了。再来，这种情怀是有传统的。古代文人首先要读书要做官，情系江山社稷就是中国古代文人的优良传统。当然我们跟古代文人不一样，我们是专业画家，我们能做的就是利用手中的笔和我们的情感去做一些事情，希望绘画不单纯只是茶余饭后的消遣，能够体现当代人的精神文明进程和当代人的生存体验。”
张江舟介绍，此次展出的2020年新作为疫情期间所做：“作为重灾区，武汉在疫情期间的种种表现让人们看到了人性中非常美好的一面。我的绘画不是对世界的世界描述，而是通过绘画传达一种复杂的情绪和情感，希望能勾起人们对生命和生活的一些思考。”
《水墨人物写生》 九幅水墨纸本 68X136cm 1998年 张望
《春·夏·秋·冬四季图》纸本水墨 180x48cm 2018年 张望
张望学习成长于文化底蕴丰厚的山东。展览中，创作于上世纪90年代的多幅国画肖像显示出他脱胎于素描训练的学习路径和扎实的写实功力。2000年以后的《阳台系列》《偶人系列》作品，一方面更关注于人物性格和内心状态，另一方面，对于水墨趣味探索的倾向已非常明显。由此可见，张望试图在写实水墨的范畴内尝试更多的可能性。近年来，张望的新作《春·夏·秋·冬系列》显示出他在“我法”构建中的新发展。
在吴洪亮看来，以水墨的形式，把人体与自然山川深度关联、融合，正是张望的可贵之处。从新近的作品可以看出，他对于精准写实的执念越来越淡化，而将注意力转向了更深层次的水墨精神与中国新城市文化的互文之中。
《高原》 179×97cm 2008年 邢庆仁
《春》 55.2x68.7cm 2020年 邢庆仁
进入邢庆仁的展区就进入了西北风的世界。此次展览展出了邢庆仁早期作品。邢庆仁的个人面貌一直非常突出，在早期作品中会用一些很有质感的笔墨画陕北民风。在近些年的作品中，邢庆仁的笔墨越来越温和，线的精炼与墨色的晕染成为构造画面的主体，表面的温和之下蕴藏着更加浑厚的力量。从《春》、《黄河远上》等作品中能够清晰发现这种变化。
在吴洪亮看来，邢庆仁与武艺的艺术面貌迥异，有一点是相同的，那就是抛弃了绘画里那些简单的和谐美感，还原内心对稚拙之本的认知：“对于拙的判定，我们可以一路追溯到傅山的书法，以拙为美，以变形为家。这些绘画作品不是现代派的简单表述，而是对古拙厚重的一次探寻。他笔下的百姓和土地，来自中国最有传统气息和能量的地方，带给我们以感动。”
展览现场
在导览最后，吴洪亮总结：“此次展出的这六位艺术家是中国水墨画人物的优秀代表，各有不同：田黎明的淡和静，周京新的水墨雕塑，武艺的线条复古飘逸，张江舟和张望在对时代的认知和人性把握上各有千秋，邢庆仁先生作品中的扎实。这个展览不是对中国当代水墨探索的全面性表述，它只是一个切入口，希望大家通过这个小小的打开，对中国艺术、中国水墨画的当下价值和当下成果有所了解。通过各位艺术家的魔法看到他们内心，通过这些作品找到你对艺术感受的心。”
此次展览将持续至2021年3月21日。
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