（）6月22日，艺术家陈伟明的个展“站在云霄上”在北京798艺术区瀚艺术空间正式开幕，此次展览也是艺术家国内首次个展。展览呈现了50余件水墨作品，是艺术家去年9月份至今年6月份在中央美术学院作访问学者期间创作的新作。此次展览由中央美术学院教师陈旷地博士担任策展。
嘉宾合影
开幕式现场
展览策展人、中央美术学院教师陈旷地博士
陈伟明从广州美术学院附中，一直到本科、硕士毕业，均受益于岭南艺术基因，但潮汕血统的他，也与其它美术爱好者同样受当地艺术前贤影响，自幼学习海派书画。离开了生活工作的南粤大地，到了京城，其画面语言更加沉厚、松灵，追求生命的真实。
中央美术学院人文学院教授 吴雪杉
中国美术馆副研究员 魏祥奇
首都师范大学美术史系系主任 张鹏
中央美术学院艺术管理与教育学院副院长 黄勇
本次展览的作品，一部分是陈伟明这一年访学期间，外出各地以及在北京一些古迹的写生册页，延续了个人以往水墨写生的表现语言；一部分是表达人在景物空间里的某种活动状态，突出人物元素，使画面沉浸在某种不确定性中，追问人与自然、人与人之间的关系。
本次展览艺术家 陈伟明
展览现场
陈伟明喜欢自我调侃，从广东来到北京，与周围一对比，很直接的说自己“土”，不像现在的许多艺术家有国际范。而实际上，他本来就不把自己的位置放高，只是单纯的呈现出一个真实的自我。
从拿起画笔，陈伟明就“排斥”那些工细的、精致的，因为感觉不自在，有拘束感。反观古代绘画意境透出的高冷感，除了临摹训练，陈伟明自己的画则更接地气，哪怕拙一点，但总带着一些生动的意趣。而这些的基础，来源于他坚持十多年的游走写生，面对山林之气的晕染，人和笔有了新体悟。
展览现场
策展人陈旷地博士谈到：本次展出的这批作品，艺术家采用了偶发建构的方式：他会先不加任何限定地画一两个人物，然后围绕画面上的人物构造出画面中的场景。这场景或来源于实景写生，或来源于自由想象。所以有的画面描绘了三两人物在残垣断壁或峻岭险道中游走，有的画面则展现了人物在似是而非的、不确定的场景中活动。
展览现场
但无论场景为何，人物确是先在的和决定性的，这可称为景为人生：因为人物背手抬头，画中就出现一片山林之景；因为人物蹬腿跋涉，画面就变成陡峭山路；因为人物俯身猛扎，画面就生出一汪静水。当然，在他的经营下，这样的生成过程藏在了最终画面的中正和谐里面，但我们从笔墨走线中仍然能窥见艺术家创作时的随性和恣意。
陈伟明，1978年生于广东普宁，2003年毕业于广州美术学院国画系，获学士学位，2009年毕业于广州美术学院中国画学院，获硕士学位，中央美术学院2018至2019年度访问学者，现为广州美术学院中国画学院讲师。
Q&A
Q:在中央美院访学期间，你的艺术创作状态和以往有何不同？
A:我在广州美院一直从事山水画教学，来到央美，访学的导师是刘庆和教授，刘老师主要从事人物画创作研究。因此我正好也试着做一些与人物画有关的创作和思考。在北京访学这一年时间里，刘老师给予了我们很大的自由度，平时见他不多，基本上都是我们自己安排学习。除了去画室画模特，我很喜欢去图书馆里阅读各种画册，央美图书馆三楼的外文画册数量多而精美。在课室画闷了，我就跑到潭柘寺、戒台寺等郊外古迹写生。
西洋楼 陈伟明 纸本水墨 28×40cm 2019
夜行 陈伟明 纸本水墨 28×40cm 2019
从以景物为主要呈现的山水创作，转向关注人物状态的表达，打破了我之前的一些绘画思维模式。访学期间，没有教学任务，自己身份也转变了（从教师变成学生），兴趣点放开了，随心而发、想画就画！其实传统山水画作品里很多都有点景人物，只是表现方式略显模式化。我在这一年的创作上，有意识地把山水景物与人物活动状态搁置在一起，强调和突出空间里的人物，使画面涌现某种不确定的情绪：画中人或蹲或站、或睡或行，彷徨若失，无所依附。这种呈现方式似乎难以归类为一般意义上的人物画或山水画，不过这不重要，重要的是它表达了我的心境。
松冈 陈伟明 纸本设色 41×73cm 2019
Q:您的创作是哪种风格？
A:没有风格吧！因为好像同样的作品类型不多，我归类不了。实际上，我的创作只是我个人性格和内心的呈现。从小时候学画画开始，我就不太喜欢那种太过工细的、精致感太强的作品。我也尝试画过那类谨严的、长时间的、偏世俗的丰富精巧的作品，但这总让我觉得憋闷和压抑！我还是更倾向于随性、率意、带有游戏状态和意外性的绘画作品。
四个草垛 陈伟明 纸本设色 41×73cm 2019
Q:您经常出去写生，这些经验给予您怎样的体会？
A:从大学学生阶段到任教广美，已有十几年了，我一直坚持写生。在面对这些活脱生动的自然景物的时候，原来学过的知识概念和技术只起到辅助功能，而且有时是起反作用的。当面对对象，却不知如何下笔时，我往往采用这么一种处理方式：像幼儿画画那样，用朴拙的线条去刻画对象，用直观的感受投射画面——只有把生命力表达出来，我觉得才有意义。
石家庄苍岩山宾馆雪中写生
我在写生中经常会有这样的感受：很多场景乍一看平平无奇，毫无画意。偶然走来了两个村里的农民蹲在那里聊天抽烟、玩手机，一下子这个画面便充满了生机，有了画意。我就从这两个人物开始画起，慢慢扩展到周围的土坡、树木、房子、远山，一切都伴随着最初的人物展开，在这种持续展开中把控它们之间的关系，一环生一环，不能按照肉眼看到的真实去画。下一个元素都是发端于上一个己有的形态。画面具有对象的真实性，但又都是有误差的，这种误差让我沉迷。我认为艺术性就在这种表达的误差里面。我寻求在景物的刻画中去表达某些情绪，这些情绪没有具体指向，不一定是对象本身，是我在画中赋予的，希望引导观者去猜想、琢磨。
写生中的陈伟明
Q:虽然是感受性的创作，但肯定要对画面结构进行掌控，谈谈您对笔墨技法的理解？
A:我画画时用毛笔直接画，不起稿，局在心中，随机而发。笔墨呈现是构成画面的重要元素，但是在进行实操时，不应该老考虑它，如果能做到“相忘于笔墨”，你就自由了。笔墨是一个小精灵，当积累到一定程度，要学会松开，忘了它的存在，这时它反而蹦出来找你了。这种感觉有点像“众里寻他千百度，蓦然回首，那人却在灯火阑珊处”吧。
画室一角
笔墨的体现和特征，是随时而变的，不同时期有不同的美学痕迹，像秦汉刻石的宏壮苍雄，魏晋墓室壁画的素朴率真，乃至元明文人画的纸本精微等等。关于这方面黄宾虹先生有很好的总结，而“五笔七墨”的提出，可以确保现代画家的笔墨训练的走向。笔墨训练对于中国画非常重要。它就像中国武术的基础内功，需要练武者长期锤练和修行。当然，对于笔墨的认识，每个人都有独特心得，也有其自身限制，把笔墨人为地设定为某种范式，这是错误的。只有对应你性情的笔墨，才是好笔墨，这种笔墨才有价值，才会动人。
梦境 陈伟明 纸本设色 41×73cm 2019
对笔墨的理解，我们不可仅仅停留在技法表象上，例如“一波三折”真正的内涵是虚实节奏，而不是说你的线条扭起来就行了，那是外皮。学习笔墨的有效途径，就是临摹历代大家的经典作品，在大量练习后，你会明白，摹本并不是你自己的东西，它只是一个参照物，一个坐标。笔墨是能够体现作者的精神内涵的，当然，要达到这样的境界很难，像倪瓒、八大山人、吴昌硕、黄宾虹等大家，历史上是屈指可数的。依我看来，中国笔墨不能简单归化为纸面上的勾、皴、点、线等视觉符号，它的内核应该是澡雪精神，彰显性灵。譬如我们赞扬某位女孩是气质型美女，这种美跟她的五官身形有关系，但是肯定不止于此！
留守 陈伟明 纸本设色 41×73cm 2019
坝上 陈伟明 纸本设色 41×73cm 2019
Q:这次的展览是如何想要筹备的？展览名“站在云霄上”有怎样的含义吗？
A:从2009年广美硕士毕业然后留校任教，正好十年。这十年我没有办过个展，但画了不少画。这次展览也是我在国内的首次个展，展出了我在央美访学期间创作的作品，有水墨写生册页，也有人物在景物空间中的一些探索表达。
展览名是那天我在翻书，看到了赖少其先生的一首词，其中就有一句“站在云霄上”，我觉得很贴合我从小对首都北京的感受。我出生在广东普宁，该地属于潮汕平原，过去无铁路、高速公路，交通闭塞，极其偏僻。在我童年记忆里，北京从中国地图上看，就像天空上游走的云彩，悬在我们顶上，高高在上。国都北京是由天安门、故宫、长城等讯息拼接起来的形象，一直很向往。
展览现场
Q:您与北京的渊源和体会分享一下？
A:1999年我在广州美院附中四年级即将毕业时，曾经和小伙伴坐着绿皮火车来报考央美国画系，住在地下室，啃着大馒头，可惜没考取。那时的央美暂借在酒仙桥二厂，四周都是灰突突的破旧厂房，感觉就是一小城镇。那时的教授们休闲多了，没有今日总是来去匆匆的疲态。我工作以后，因为事务也来过几次北京，都是住酒店，出门打车，匆匆过客，对京城的印象就只是加了几处常去的地方：中国美术馆，中央美院，798艺术区……
展览现场
这一年的央美访学生活，算是对北京有了更深刻的体验。气候很干燥，刚来那阵子，每天都要喝四五瓶矿泉水，晚上睡到半夜喉咙就发干发痒。社区规划缺少南方那样的便捷亲民和经济氛围，不像广州一下楼便是各种生活配套的商业体，还经常有各种突发性的管制措施。
我喜欢自己骑单车逛逛老城，带着毛笔册页去郊外古寺写生。在北京，我很少坐地铁，虽然它速度快，但是我感受不到这个城市的风景。我一般都是公交或者走路，通过这种方式去感受北京。
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