“张恩利个展：会动的房间”现场
“张恩利个展：会动的房间”开幕式现场
张恩利用花了20余天时间在上海当代艺术博物馆布展，当看到这些多年没见的作品时，他觉得就像突然遇到许久未见的人，“有对自身成长的怀念，也有对社会变化的感触”，张恩利在“会动的房间”展览开幕前对艺术网说道。
11月7日起，“会动的房间”张恩利个展在上海当代艺术博物馆对外开放，展览是其迄今为止规模最大、内容最为丰富的个展，近30年艺术生涯各阶段的百余件绘画作品，占据上海当代艺术博物馆的三楼、五楼及户外延伸空间。
这场有回顾意味的展览，对张恩利来说，只是艺术生涯进程中的一个环节，而不是终点，“恰好有合适的机会将30年艺术轮廓梳理出来。”
“张恩利个展：会动的房间”现场
从现场布展上看，每个阶段的作品变化分明又相互衔接。进门处是90年代聚焦人物及生存问题的具象绘画。再到千禧年后以蕴含时间痕迹的“容器”为主的静物画，有常见的烟盒、水桶、树木、线条、管子、篮球等。
另外近年来张恩利从早期空间绘画中再次探索，创作了一批透析记忆与挖掘潜意识的意象画。
“张恩利个展：会动的房间”现场：近期新作
因疫情而得到的安静无扰环境，今年张恩利似乎回到了创作初期，考虑的最大问题是“这张画，什么时候画到完为止”，期间几件作品均耗时月余。“把之前没有做到位的反复涂改实验，去发现那些好的东西。让我走入更好地状态中，收获很大。”
“空间绘画”与“会动的房间”
“张恩利个展：会动的房间”现场
“会动的房间”是本次展览策展人侯瀚如在疫情之前便定下的主题。在张恩利的理解中，“动”是一种心理上对某种东西变化的无法把握，就像近30年艺术生涯里，年龄的增长，思维的变动...特别是今年突来的特殊经历，让他对“动”有了更多理解。
当然也如上海当代艺术博物馆馆长龚彦介绍的，“会动的房间”只是一种现象，重要的是里面的人保持主动寻找和原始的力量。
而从普通观者角度，展览中的“空间绘画”更容易让人从另一面理解“会动的房间”的涵义。张恩利根据PSA建筑空间，在“空间绘画”中用更巨大的尺度与更新颖的材质，构筑视觉上不断位移的的画面。
“张恩利个展：会动的房间”现场
“空间绘画”是张恩利2007年开始的创作想法，最初源自“古人为什么能画在墙上”，从而试图将绘画打开。当时在比利时安特卫普的双人展《循环，没什么可看》上首次尝试时，“用绘画的方式复刻了以前的一个房子，突然觉得‘鬼魂附体’了一样”，张恩利回忆。
而“空间绘画”的创作过程，更刺激了张恩利对平面绘画的认识。于是，过去利用“物”转移人的表象情绪，在“空间绘画”中是在用“痕迹”含蓄表达物的存在。
“张恩利个展：会动的房间”现场
“痕迹”是张恩利创作“空间绘画”的原点。本次展览空间里的平面作品展区之外均呈现了“空间绘画”，特别是公共空间中的3件作品和完全融入展厅的“石柱”空间绘画，将隐匿在背后的“痕迹”放大至最直观的视觉中。
“张恩利个展：会动的房间”现场
有意思的是，这次“空间绘画”是由无数纸盒搭建出私域空间，张恩利在其中随心所欲地现场发挥。如果远观会发现，每个箱子自成为画面中的格子，而格子本身在他作品中就尤为常见。
“格子”是张恩利在最原始绘画方法上，无意识保留下的绘画习惯：在铅笔画的网格上涂上薄薄一层颜料，用它放大照片或者素描中的图像。即使后来这些格子已不需要放大，它却已成为某种潜在视觉，跟画完全混合在一起。
从格子开始，张恩利的绘画便成为一种过程的展现，画面中不同信息不断地叠加在一起，从而变得复杂与丰富。
肖像是一种共性，而不是个体
“张恩利个展：会动的房间”现场早期作品
张恩利早年作品中的具象肖像，是对当时生活不安感的理解，几乎是一个时代的共性。
90年代末，张恩利大学毕业后来到上海，进入东华大学任职，当时一个月只有100块钱，并不能追求过多的物质享受，“有一份稳定的工作，又有很多空闲的时间去画画，很理想。”
张恩利，《二斤牛肉》，1993，布上油画，158 x 98 cm
艺术家供图
他热衷于观察周遭的平凡人物及日常生活，并于画布上记录下日常社会图景。在《二斤牛肉》与《屠夫》系列中，张恩利以阴郁的底色和激越的笔触，刻画了粗糙外表和麻木内心得以生存的人物肖像。
张恩利，《吃 (三)》，2001，布上油画，220 x 200 cm
艺术家供图
在《小酒馆》、《吃》、《亲密》系列中，张恩利捕捉了经济生活陡然富足后人们的社交状态与心理转变。戏剧化的餐桌、充满张力的叙事，以及情绪饱满的众生相之下涌现的是那个时代复杂丰富的人性。
而这时期的作品其实就是张恩利最直接地“观察世界”的状态，他希望作品通过有高度共鸣性的主题，引起观者的情绪反应。
张恩利，《水槽》，2006，布上油画，180×180 cm
艺术家供图
张恩利，《水桶 1》，2007，布上油画，100 x 100 cm
艺术家供图
2000年后，张恩利画了大量的物件，也画了很多空的房间，但对他而言依旧是肖像。
因为“物是我们创造出来东西，它是一面镜子，能从中看到人性。”于是，张恩利将物件抽离出来并拟人化，成为一个某种非常强有力的一种符号。就像张恩利说的，这么多年吸引他的，“一直是怎样去认识我们的生活，并且怎么样去表达这些东西。”
张恩利，《外科医生》，2020，布上油画
艺术家供图
张恩利，《手艺人1》，2019-2020，纸上油画
艺术家供图
近年，张恩利对肖像的表达又发生了变化。展厅现场2020年的作品中，名为《外科医生》、《手艺人》、《快递员》、《歌手》等作品中，画面几乎看不出肖像轮廓，他们是一种代表，并不单指某一个人。
张恩利觉得，“从肖像画开始，多数表达具体的某个人，但将这种指向意味抽离，肖像其实是一种共性，而不是个体。”
带有情感的线条
“张恩利个展：会动的房间”现场
这5楼展厅入口处，张恩利用空间绘画创作了一件“线条”作品，这恰好与展厅尾部的平面“线条”系列相呼应。
张恩利儿时学习的书法与国画的经历，形成了他之后在画布上“书写”的线条。虽然他说，作品“绝对不用中国符号来表达”，实际上他将中国文化的内核通过线条而藏于作品背后。
“张恩利个展：会动的房间”现场
早期肖像作品中，花俏的色彩和阴郁的黑暗背景充满情绪和风情，当张恩利开始思考中国与西方艺术不同时，他率先去黑为白，画面中的线条变显现出来，却开始在画面去黑为白，呈现与众不同的中国内核。后来“线”打破了张恩利以写生、或依靠实体物参考的创作习惯，他开始画“心中的物”。
“张恩利个展：会动的房间”现场
张恩利，《红管子和绿管子》，2013，布上油画，250 x 300 cm
艺术家供图
于是在尝试过纸箱、篮球、水桶等看似“无用之物”后，“线”开始频繁出现在作品中。他将日常景观里带有情感的线条进行简化和抽离，使其变成与人的情感或是某种符号相对应的节奏，“在我画的视角，你也能感受到线的缠绕，与之发生对话。”
但无论是在画中表现空间，还是“空间绘画”中的突破，张恩利认为最终会回归到平面绘画，“因为它已成为一个文化，让我有机会不断去发现新的东西，用各种材料来重新认识绘画。”
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