美国艺术在40年代后期50年代取代了欧洲，获得了国际地位，其代表风格“抽象表现主义”成为美国现代艺术的一张名片。做到这一点，不光是一群美国年轻的抽象艺术家的贡献，而且是一位理论家共同参与的贡献。参与打造美国抽象表现主义风格的理论家叫格林伯格。他的理论在国内被介绍得很多，但是他这个人却被介绍得太少，这篇文字重在描绘他这个人，因此称为“格林伯格画像”。
格林伯格
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格林伯格（Clement Greenbery 1909-1994）1909年生于纽约，在大学学的是文学。毕业后去政府部门工作，并给杂志写评论，先做文学批评，后来开始涉猎艺术批评。他对于现代艺术的审美性认可来自欧洲人的教育。他在1938-39年之间参加过一位德国现代抽象画家霍夫曼在纽约开设的绘画班。霍夫曼这位德国教育家兼画家是最早在美国开设现代艺术教育课程的人之一，他的美术班只教授欧洲时新的抽象画，他用自己创作的抽象画为例，在课堂上一遍又一遍地告知坐在下面的学生：绘画不是什么别的东西，它就只应该是绘画纯形式的表现—平面上的色块，线条，形状以及它们之间的关系。这就给格林伯格灌输了第一勺原汁原味的现代绘画观念：绘画就是绘画自己-它的平面性，抽象性，它犯不着为任何其他内容服务（宗教、政治、道德说教……等等等等）。格林伯格吸收了这个思想，后来就把它上升到社会文化和艺术进化的大格局中去进行讨论。
格林伯格在1939年发表了《前卫与媚俗》一文【1】，形成了他的基本艺术立场：现代艺术代表前卫，其他所有不纯粹的艺术（比如有具象的艺术）代表庸俗。社会的文化版图被格林伯格清楚划分为两个区域，一，前卫文化区域，其中有的是抽象艺术和纯诗；二，媚俗文化，其中有的是市面上流行的彩页插图，杂志封面，漫画广告，以及浮华低劣的小说、喜剧，还有收音机里的流行音乐、好莱坞电影等等等等，它们作为艺术非常不纯粹，只是工业革命之后带给社会的粗制滥造的文化食品——靠了资本运作和机器生产方式，廉价制造并易于流传。这些东西作为文化，完全缺乏主见，虚情假意，媚俗讨好，跟风多变，其本质只集中于一点：不打算从观众那里得到任何东西，只除了钱。而前卫艺术就不同了，它来自精神性的追求，对历史有高度自觉，对社会有明确判断，从不跟风盲从。于是在一个社会中，前卫艺术存在极其重要，它的使命正是要抵制媚俗文化，用艺术寻求超越，并纯粹自己的精神品质。对一个社会而言，只有前卫艺术才能构成真正有生命力的文化，是一个社会文化和精神质量的保证。因此，“前卫艺术家是艺术家中的艺术家”！然而，由于社会中媚俗文化的范围太大，又唯利是图，极容易破坏和消解前卫文化，对此，格林伯格竭力称颂支持前卫文化，而对媚俗文化口诛笔伐。他的这篇文章所代表的立场在美国当时的知识界引起热议，艺术家纷纷对号入座，谁都希望自己归属在前卫文化的队伍里，与“高级”“优秀”为伍。
Summer Summit 1962 Oil on canvas 72x60 1/4 inches (182.9x153cm) Hans Hofmann
这样一来，格林伯格为美国的文化划定区域，判断高低。没有人觉得这样有何不妥，尤其对于擅长两分法的西方人，接受起来更加容易。格林伯格所说的话，对当时美国现代艺术发展起到了非常重要的作用，因为经他这样一提，就等于是把美国那一批原是散沙般的现代画家们做下的事放进了社会的大格局中，并赋予其精神乃至道德价值。此外，格林伯格在理论上完成的另一个贡献是，他从艺术历史的整体布局入手，把美国风格的抽象画编织进了整个西方艺术史发展中的进程之中，而且很合逻辑地把它们放到了西方艺术发展的最前沿部分。
在格林伯格给美国的抽象绘画确定审美性之前，西方现代艺术理论已经在20世纪早期由英国人罗杰·弗莱（Roger Fry 1866-1934）建立起来了。就是说，在现代艺术理论出现之前，西方人在20世纪初对马蒂斯的野兽派或者毕加索的立体主义是完全摸不着头脑的，不知道它们有什么好，人们除了嘲笑和谩骂，局面一片混乱。是英国批评家弗莱第一个站出来告诉社会公众，有一种不同于古典艺术的东西叫做“现代艺术”，并且给这个新事物下定义说：现代艺术比起关注世界，更多的是关注艺术自身，它有自身的发展逻辑，不由艺术外部的力量来决定。所以现代艺术家不必模仿自然，而是创造新的艺术形式，从此艺术家当“为艺术而艺术”了。现代艺术批评该谈的一件艺术品的构成、色彩和线条等形式问题，才算合格的艺术评论，若只是谈论艺术品所处的年代，历史，社会，文化，则算不得真正的艺术评论。经过这样的说明之后，人们于是知道怎么把现代艺术和古典艺术区别开来，也知道艺术的标准到现代时期成为对形式的评价标准了。
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